groove matters

fresh electric campfire

2009-09-07T03:12:00.000-07:00

hotsummer 5

2009-09-06T11:01:00.000-07:00

hotsummer 4

2009-09-06T11:00:00.001-07:00

hotsummer 3

2009-09-06T10:58:00.000-07:00

hotsummer 2

2009-09-06T10:55:00.001-07:00

hotsummer

2009-09-06T10:49:00.000-07:00

fùtilizzati !

2009-08-05T02:38:00.000-07:00

do you? mr. jones...

2009-08-01T06:48:00.001-07:00

nonno in pausa

Merce

2009-07-27T15:10:00.000-07:00

III D & devotion

2009-07-27T14:57:00.001-07:00

III D & devotion #2

2009-07-27T14:55:00.001-07:00

III D & devotion #3

2009-07-27T14:52:00.000-07:00

III D & devotion #4

2009-07-27T14:50:00.001-07:00

olimpico canyon

2009-07-20T11:48:00.001-07:00

olimpico on fire

2009-07-20T11:22:00.000-07:00

olimpico sunset

2009-07-20T11:21:00.000-07:00

Roma 2009 #8

2009-07-17T07:12:00.001-07:00

fly

2009-07-09T05:06:00.000-07:00

stay gold too

2009-07-09T05:02:00.000-07:00

burbs lamberjack

2009-07-09T05:01:00.001-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #1

2009-06-29T09:04:00.001-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #2

2009-06-29T08:56:00.000-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #3

2009-06-29T08:46:00.001-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #4

2009-06-29T08:44:00.003-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #5

2009-06-29T08:42:00.001-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #6

2009-06-29T08:36:00.001-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #7

2009-06-29T07:52:00.001-07:00

Napoli 2009, Speculum Celestiale #8

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Napoli 2009, Speculum Celestiale #9

2009-06-29T07:46:00.000-07:00

MJ

2009-06-26T02:39:00.001-07:00

Roma 2009, Lemoncocche

2009-06-19T08:45:00.000-07:00

Venezia, Biennale days #1

2009-06-15T09:54:00.001-07:00

Venezia, Biennale days #2

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Venezia, Biennale days #3

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Venezia, Biennale days #4

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Venezia, Biennale days #5

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Venezia, Biennale days #6

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Venezia, Biennale days #7

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Venezia, Biennale days #8

2009-06-15T09:39:00.000-07:00

Berlin #1

2009-06-15T03:00:00.001-07:00

Berlin #2

2009-06-15T02:54:00.000-07:00

Berlin #3

2009-06-15T02:47:00.000-07:00

Berlin #4

2009-06-15T02:44:00.001-07:00

Roma 2009 #1

2009-06-14T12:16:00.001-07:00

Roma 2009 #2

2009-06-14T12:14:00.001-07:00

Roma 2009 #3

2009-06-14T12:11:00.001-07:00

Roma 2009 #4

2009-06-14T11:55:00.000-07:00

Roma 2009 #5

2009-06-14T11:53:00.001-07:00

Roma 2009 #6

2009-06-14T11:48:00.000-07:00

Roma 2009 #7

2009-06-14T11:21:00.000-07:00

Rio, carnival 2008 #1

2009-06-14T11:19:00.001-07:00

Rio, carnival 2008 #2

2009-06-14T11:15:00.000-07:00

...

2009-06-12T11:23:00.000-07:00

feedback aconino

2009-06-11T12:08:00.001-07:00

pink

2009-06-11T07:00:00.000-07:00

desperados c'mon

2009-06-11T06:39:00.000-07:00

more Ian Svenonius & Sebastian Thomson @ Init

2009-06-11T05:29:00.000-07:00

Nero magazine, n.17

2009-06-10T15:05:00.000-07:00

The Galveston Chronicles Storiella #1 Con Chloe Sevigny ci siamo conosciute nel ‘92 quando lei lavorava da Liquid Sky, un negozio di vestiti e dischi a impronta raver su Lafayette St., dietro l’angolo di casa. Messo su da Carlos (Soul) Slinger, tipo brasiliano benestante a go-go che conobbi intorno al ‘90 al Choice (un after hours di deep house nell’East Village). Da Liquid Sky (nome del mitico film anni ‘80 che si vide per la prima volta a Roma a Massenzio al Circo Massimo, alle ? del mattino, in pellegrinaggio una platea di più o meno pischelli punk, new wave, psycho billy e darkoni) lavoravano già dal ’91 anche Gabriel Hunter, Carisa Glucksmann, On-E. In quel periodo si fecero anche delle seratine il lunedì sera dove erano fissi Dj Spooky, che cominciò allora a mettere l’illbient, e un tipo giapponese che ci mandava tutti in fissa con il suo theremin. Ci bazzicavano ravers, skaters, djs, altri che arrivavano da Washington Sq. Park e il Lower East Side e qualche wannabe anguilloso. Erano assidui Mark Gonzales, Harmony Korine che abitava la vicino, Harold Hunter dal LES, Justin Pierce, Leo Fitzpatrick, DB, Moby, Scotto, Jason Jinx, Rita Ackerman, che aveva appena decorato l’entrata del New Museum su Broadway. Spuntavano Spike Jonze, Aaron Rose, e il tipo che poi apri’ Stussy due blocchi più su qualche hanno dopo. Con Giovanna Cellini e Paolo Di Nola facemmo una mini linea di magliette che lì era in vendita, Parental Advisory Explicit Images. La prima guerra del Golfo era appena finita ma qualche yellow ribbon rimaneva ancora sparso sui cruscotti e all’entrata di qualche casa fuori Manhattan. Come a Greenpoint, Brooklyn, dove ci fu uno dei primi rave assurdi perché anche un po’ grunge, sfatto, messo su da Carlos e da qualcuno del giro Liquid Sky. Pareti di plastica retro-illuminate su cui correva acqua a palate, che dopo un po’ inondò la metà del posto, tutti contenti a ballare mentre si rischiava di essere electricuted. La guerra, le immagini pixelate del fuoco americano e inglese nella notte araba che si vedevano in tv, assomigliavano molto ai visuals usati nei club. Che però avevano tuttaltro effetto, si mirava infatti al gathering of the tribes! Con Paolo dal ‘92 eravamo assidui frequentatori di Nasa, un rave settimanale che si teneva allo Shelter, e ci beccavamo spesso con Kier e Dmitri dei Dee Lite, anche loro del giro e in quel periodo in mega successo planetario con il pezzo Groove is in the Heart. Per i visuals dei loro live-act usavano un artista ex dead head sulla cinquantina, fissato con le proiezioni di found footage. Si era costruito il suo marchingegno per far ruotare gelatine di varie forme e colori di fronte alla lente del proiettore. Psichedelia pura. Kier è stata la protagonista del mio primo corto girato nel ‘92 durante il college, di cui Paolo curò l’art direction e la consulenza musicale e Billy (Beyond) Erb gli effetti sonori. Make Believe AConIn, 12 minuti in 16mm, su una raver solitaria e alcolica che cerca di comunicare con gli alieni. L’idea mi venne dalle documentazioni sulle apparizioni di alieni che ci passavamo. Durante la pre-produzione ne spuntò anche uno della NASA del periodo Carter appena reso pubblico. Intorno al ‘94 feci delle riprese a Williamsburg con Chloe, in 16mm, per un corto mai finito. Poi capitò di girare ancora a Londra, in video Hi 8, qualche anno dopo con lei e Garreth Welch, fidanzato con Connie Prantera. Coppia tra le più old timers, vivono a Londra con Tegan e Nye dove si conobbero nel giro degli squatters e dell’hard core all’inzio dei ‘90. I due, anni più tardi, scoprii essere anche super amici con il Lissoni e Carlano. Nel 96 girai Neighbors, 10 minuti in 35mm tra gli altri con Carisa, che aveva appena finito di lavorare su Kids, Gabriel e Paolo. Le loro parti erano ispirate alla prima scena raver appena discioltasi nella diffusione di crack e special k, della jungle e della techno commerciale da mila persone. Paolo e Dmitri ne composero la colonna sonora. Ed eravamo già nella New York di Giuliani, cominciava la tolleranza zero. Il materiale con Chloe è ancora inedito, prima o poi verrà montato in qualche percorso narrativo.

feedback MissouriGarbatella

2009-06-10T10:24:00.000-07:00

Rolling Stone Italia - Beasties (R)evolution - Aprile 2007

2009-06-08T08:12:00.000-07:00

“Ci siamo conosciuti intorno al 1980 tra i concerti dei Black Flags e Ramones e i clubs come il Tier 3, l’87 e il Cbgb”. Gli inizi dei Beastie Boys li rintracciamo in un incontro con Adam Yauch, MCA, in occasione della presentazione del loro film musicale Awesome:I fuckin’shot that alla Festa di Roma. Ci rivediamo dopo un anno e mezzo dalle riprese che ho realizzato con Adam per il video di All Lifestyles. Una giornata di guerrilla shooting in granoso Super 8 bianco e nero con i Beasties che sfoggiavano outfits mods in giro per le locations della dolce vita romana. Sfuggendo, sulle lambrette di scena, ai paparazzi in cerca di star presenti in città per gli Mtv Awards. Apparte un po’ di panico per un piccolo incidente di uno dei Beasties nel traffico caotico di Piazza Venezia la giornata di riprese fu operosa ed ilare. “All’epoca a New York nella scena punk rock si seguivano molto Blondie, Richard Hell & The Voidoids, Dead Boys, la gente era più grande e c’erano molti tossici, noi eravamo parte di una scena minore di quattordici quindici sedicenni concentrati più su band come Minor Threath, The Stimulators, Circle Jerks, Reagan Youth. Era una scena molto mista, ispanici bianchi afroamericani, street kids, altri middle class, alcuni che andavano a scuole private. Nel periodo in cui i Bad Brains si trasferiscono da Washington D.C. e altre piccole band come Xtc Control vengono a suonare più di frequente a New York si formano I Beastie Boys. C’era un tipo Dave Parson che lasciato il suo banchetto di dischi punk su Astor Place, dove andavamo spesso , e apri’ il 17-18 un negozietto con qualche crates di dischi (contenitori per la consegna del latte) e un piccolo studio di registrazione, il Ratcage. Era in un seminterrato entravi da una di queste porte di metallo che si vedono per strada e scendevi per una scaletta fatiscente. Qui vivevano i Bad Brains e noi pischelli ci andavamo tutti i giorni. Finimmo per registrare il nostro primo disco punk. Il primo show è stato a casa di questo tipo John Berry, era il giorno del mio diciasettesimo compleanno. Dave Parson poi decide di mettere su un’etichetta e con lui sforniamo il primo album e cominciamo a suonare dal vivo aprendo per i Bad Brains”. “Niente male come inizio, accanto ai punk rockers afroamericani che hanno ispirato le gesta di Henry Rollins”. “Yeah, I guess…”. Risponde Adam ridendo. “Nello stesso periodo ho cominciato ad usare una Super8 e negli show proiettavamo dietro di noi le immagini montate a casa con gli splicers minuscoli e la steenbeck a manovella”. “Nel frattempo parte di questi gruppi sfoceranno nella scena hard core newyorkese, a noi viene a mancare il chitarrista e Adam Horowitz, Ad Rock, entra nel gruppo. Con Adam cominciamo a provare un po’ di roba alla Siouxie and the Banshees e ad ascoltare hip hop. Una volta mentre eravamo in studio registriamo un joke hip hop record con una versione reggae sul lato b, Beasties Revolution. Nel 1983 lo facciamo uscire come 12”, Cookie Puss. In studio cazzeggiando buttavamo giù rime hip hop poi abbiamo cominciato a fare del rhymin’ dal vivo, Mike D suonava la batteria, la nostra batterista suonava il basso, io e Adam al microfono. Cosi’ siamo scivolati nell’hip hop e abbiamo preso Rick Rubin come dj che aveva appena sfornato un grande successo con T-La Rock. Rubin entra in società con Russel Simmons e formano la Def Jam, l’etichetta con la quale registriamo Licensed To Ill. E mi occupo per la prima volta di un music video. Comprai una videocamera vhs che erano ormai a prezzi accessibili, e organizzato un set furtivo per strada ci mettiamo a fare del lipsynch con amici vari che entravano e uscivano dall’inquadratura. Un amico si occupò di montarlo e usci’ il video di Holding out nel 1987. Preso dal divertimento con la videocamera scrissi una sceneggiatura per un ridicolo film sui Beasties che volevo dirigere, una commedia clichè tipo Abbott e Costello o Jerry Lewis. La storia era che uno di noi ereditava una casa piena di fantasmi (Hunted house) e per ottenere l’eredità dovevamo rimanere insieme nella casa per una settimana” . “Suona come perfetto per voi”. L’estate del 1987 appena maggiorenne la passo a New York, con gli occhi e le orecchie all’erta mi immergo nella brulicante vita downtown. Keith Haring apre il suo negozio Pop Shop, Wigstock sforna fermento transgender, Scotta La Rock complice di KRS One nella Boogie Down productions viene assassinato, i party di Suzanne Bartsch danno senso alla visione glitter della vita cosi’ come le vetrine di Pat Field, il mitico Paradise Garage mi illumina di immenso prima di chiudere i battenti. “Andai al Madison Sq. Garden per vedere voi e Run DMC, ero con un androgino amico giapponese, tra i pochi non afroamericani. Avevo i capelli cortissimi bleachati bianco gesso, come il fondotinta, e labbra rosso scuro. Oltre alle inseparabili doc martins con la punta di ferro. Entrando al Madison più di una persona mi additò esclamando: That’s Madonna!! Che io non sopportavo e grugnivo in inglese stentato. La folla di B boys e girls con i luccicanti denti d’oro e le megaunghie era stupefacente e trascinante quando non intimoriva un pò. Uno show adrenalinico tra giubilo e smaltita. Ne uscimmo eccitati e illesi”. “Posso immaginare, una teenager italiana appena arrivata a New York ad uno show hip hop al Garden, …wow!” . “E c’era anche il super entusiasmo per le go go dancers che si dimenavano nelle gabbie appese sopra il vostro stage”. “Si quella sembrava un’idea d’effetto ma anche piuttosto stupida, a vedere le reazioni del pubblico. Noi pensammo alla cosa più ridicola che potessimo fare ma molta gente la prese come roba seria. Anche Fight for Your Right to Party fu fatta come un gioco ma diventò cosi’ popolare che l’audience era piena di jock boys, tipi da football e ettolitri di birra, gente che in genere cerca rogna. Cosi’ malgrado le nostre intenzioni ci siamo ritrovati molto di questo pubblico stronzo e machissimo”. Quel periodo fu il nostro breakthrough. “C’erano alcuni posti dove si ascoltava buon hip hop, mi ricordo un party settimanale su un tetto di una scuola o qualcosa del genere nell’East Village nei pressi di Houston e la 1th St., il pubblico era molto misto, Crazy Legs e altri breakers ogni tanto facevano qualche performance”. “Si, si chiamava il Cuando ci andavo spesso, aveva una buona energia”. “Dietro l’angolo c’era l’afterhours Save the Robots, con la sabbia al piano superiore pieno di fuori di testa, Russel Simmons era una presenza fissa”. “the Robots era un altro di quei posti…assurdi. Immagino che Russel abbia cercato di rimorchiarti…”, “Ma più o meno, la tipa con cui ero uscita per fortuna era più appariscente di me”. “Al Nell’s il giovedi ci andavi?”. “Si non era male, dj bravi e divani super comodi. Un sacco di haitiani con dreadlocks che si volevano sposare con ragazze giapponesi danarose, avevano un sopranome che non mi ricordo”. “Poi apri’ The World nell’East Village”. “Si la sera dell’apertura suonavate, c’era una marea di gente fuori ci misi un po’ ad entrare, ad un certo punto tu e Ad Rock faceste capolino dal terrazzo con i microfoni. Poi riapri’ il Roxy con il fantastico ring per pattinatori disco”. “In quel periodo ci trasferimmo a Los Angeles mettemmo su uno studio e lavorammo a Paul’s Boutique con i Dust Brothers. Mi occupai molto dell’artwork per l’album, scrivevo idee per i video e cominciavo a collaborare con i registi. Lo pseudonimo Nathaniel Hornblower viene da quel periodo. Non volevo ripetere il mio nome per le foto e la copertina cosi’ mentre scrivevamo i credits usci’ fuori questo nome. Nelle interviste aggiungevo notizie sulla sua vita, una sorta di pastore alcolizzato originario di Oppenzell da qualche parte in nord Europa. Agli Mtv awards per Sabotage mi vestii con un outfit da montanaro svizzero, con parrucca e basette rosse. Quando annunciarono che i vincitori non eravamo noi andai dritto sullo stage a gridare come tutto ciò fosse un scandalo. Qualcuno avverti’ la security che ero io mentre avevo la testa già oltre l’uscita.” . “Mi ricorda gli awards del 1999 quando Jim Carrey fece uno show simile per la premiazione di Truman Show, vestito da biker californiano cominciò a blaterare dal palco mentre si fumava una canna. E’ quasi un plagio!”. “Davvero!" Da quando Nathaniel è entrato nella mia vita ho collaborato sempre per i video, in Check Your Head, Ill Communication, Hello Nasty, soprattutto quando lavoro con amici come Spike (Jonze). “Hello Nasty è in qualche modo geniale come titolo, chi li decide?”. “Tutti e tre, si apre sempre un dibattito tra di noi. Hello nasty è venuto dalla nostra agenzia di p.r. che si chiama Nasty Little Man (Piccolo uomo cattivo) capitanata da Steve Martin. Qualcuno lo chiamò cosi’ una volta e lui pensò fosse un nome appropriato per la p.r. firm che stava aprendo. Mentre lavoravamo all’album c’era una intern giapponese che ogni volta che rispondeva al telefono diceva con una voce innocente: “Hello, Nasty…”. Diventò il modo in cui anche noi rispondevamo al telefono, fino a diventare il titolo dell’album. Ho un sacco di Super 8 dai tempi di Cookie Puss, compreso quello che hai girato tu a Roma e che sfumata la possibilità di produrre un video per ogni pezzo di To The Five Boroughs sta fermentando per un film in Super8 sul gruppo. Oltre a questa idea adesso che c’è l’Oscilloscope (casa di produzione e studio di regitrazione messo su da Adam) sto lavorando ad un film sui graffiti writers a New York nei primi anni ottanta”. “Tu eri un writer?”. “Non veramente, i miei amici si, mi è capitato di andare con loro a svuotare qualche bomboletta, era l’ambiente in cui sono cresciuto. La maggiorparte veniva comunque da quartiere tosti. La storia si svolge nel 1981. I personaggi del film sono quindicenni di provenienza diversa, ispanici, bianchi, afroamericnai alcuni street kids altri più borghesi che come in quegli anni escono pronti a fare bombin’ insieme. Oggi i teenager writers provengono più dalle art schools, anche lo stile è meno ruvido si vedono graffiti in qualche modo più figurativi, è più un modo per arrivare nella scena dell’arte. All’epoca lo stile era più calligrafico ed era una pratica legata al modo di vivere, si innescavano battaglie tra writers su chi andava più in alto e realizzava i graffiti più impressionanti. Sto già lavorando al casting con Ulysses Torrero da cui vanno i casting director quando cercano protagonisti sconosciuti, i suoi casting informali sono anche stati usati per Kids e Raising Victor Vargas. Infatti cercare gli investimenti non è facile, non cerco star per il casting perché voglio che sia credibile. Per le locations abbiamo sentito l’Mta (Manhattan transfer authority) e non stanno cooperando affatto anzi sono totalemnte paranoici al riguardo, hanno paura che ricominci di nuovo un ondata di writers che si aggirano per i tunnel della subway”. “Non mi sorprende, hai già un titolo?”. “Si, Of toys and kings”. “E’ curioso che tutti e due guardiamo a quel periodo e alla nostra adolescenza. Come se ad un certo punto formulassimo il nostro vintage personale. Da qualche mese sto preparando un film sulla scena D.i.Y. punk-new wave a Roma tra 1982 e il 1987. Avevamo un gran da fare perché a Roma non trovavi neanche un paio di jeans neri stretti come volevi, si cuciva e tingeva tutto per rendere i vestiti consoni allo stile che ognuno, gelosamente, sprigionava in giro per la città. Oltre a caricare di richieste chiunque andasse a Londra per riportare introvabili dischi, fanzines, riviste, crazy colors per i capelli e le creepers”. “Quella era l’attitudine che avevamo anche noi, un sacco di roba l’inventavamo di sana pianta”. “Ma si in qualche modo è stata l’ultima grande fase del Do It Yourself, un momento di crossover e grande invenzione”. Mentre Adam scambia chiacchere buddiste tibetane con Richard Gere e il tavolo accanto di baldanzose signore francesi cerca di attirare l’attenzione del divo, penso all’attitudine del fare da te e a come i Beasties abbiano ancora messo in pratica l’idea. Distribuendo una cinquantina di videocamere vintage Hi8 ai loro fan per la realizzazione di Awesome, per poi montare quei preziosi punti di vista. Quando si assume un’attitudine per lungo tempo è difficile uscirne fuori, dice un popolare adagio americano a proposito di vizi e virtù.

giravolte journal - La Rencontre des Labos - Luglio 2006

2009-06-08T08:11:00.000-07:00

Questo caleidoscopico incontro internazionale si è svolto a Bruxelles al cinema Nova lo scorso dicembre dopo un anno di ricerche e serrati contatti tra singoli filmmakers sperimentali e gruppi dei laboratori artigianali. Oltre un estenuante raccolta di fondi per sostenere la logistica,gli spazi e l’ospitalità dei partecipanti. Il Nova è ben piazzato nel centro della città dove da nove anni resiste alle pressioni che ne vorrebbero fare un cinema multisala o un posto per eventi. Gli organizzatori e collaboratori sono tutti volontari, in tutto una trentina con un gruppo hard core di nove persone tra cui la film-attivista italiana di Bruxelles Katia Rossini, che da anni scandaglia anche l’Italia in cerca di cinema indipendente e sperimentale da inserire nella programmazione. Il Nova è uno di quei pochi cineclub con programmazioni di culto da esportazione planetaria. Una recente Nunsexplotation che comprende School of the holy beast del maitre del pink cinema Norifumi Suziki è un buono spunto per dribblare il cardinal Ruini & co e concedersi una pausa nella programmazione del documentario italiano che ormai imperversa ovunque. Gli organizzatori ci tengono a precisare che in questo caso non si tratta di un festival ma di un incontro, dove si vedere e scoprire film, ma soprattutto confrontarsi e discutere su lo stato del cinema sperimentale artigianale, la sua conservazione e diffusione e tracciarne una mappatura per le prospettive future. Per artigianale s’intende il cinema che esce dai laboratori gestiti dai filmmakers stessi dove si può usufruire di servizi come l’affitto di cineprese, sale di montaggio e truke ma soprattutto è possibile affrontare con poca spesa la parte più costosa, sviluppare e stampare da sé le pellicole. Realizzare in totale indipendenza dal mercato le proprie visioni cinematografiche sperimentandone non solo l’estetica ma anche la miscela chimica. L’apprendimento spesso avviene frequentando i laboratori, i prezzi sono poco sopra i costi vivi. Luoghi ben organizzati per produrre pellicole per performances, installazioni e film, l’expanded cinema. Molti dei gruppi si occupano anche di diffondere i lavori, organizzare rassegne, pubblicare riviste. Il programma della Rencontre è fittissimo, da proiezioni al cinema ad installazioni allestite accanto al Nova nell’ex negozio di tappeti Persepolis con grandi vetrine sulla strada, fino al centro De Waterman dove si tengono le riunioni. Al Nova cineasti e gruppi vari riempiono la sala per le proiezioni e il bar dove ci si incontra e si cena. Un’atmosfera molto accogliente, si fuma, si fa amicizia, si discute ampiamente sul cinema sperimentale e non, a turno si offre da bere finché suona la campana per avvisare l’inizio della prossima proiezione. Quindi da operativi cheerleaders della pellicola tutti in sala trafugando dentro i drinks. Le dense compilations dei film proiettati vanno dagli storici 16mm di Henri Chopin a un lisergico Towers open fire di Antony Bach fino ad approdare a Visa de censure di Pierre Clementi,un cangiante documento sulla condivisione fisica e spirituale made in 1968. In K Desert Frederique Devaux rianima pellicole con scenari nord africani e ne lavora i fotogrammi uno ad uno facendo poi emergere gli esotismi degli spazi della banda sonora e delle code deragliando tra un frame e l’altro con fini giochi di truke. The First Round Danse di Masha Godovannaya gira intorno ad una bambina che balla in strada per raccogliere soldi, con lei si intravede una Leningrado che arranca verso la modernità liberista. Terzo film sperimentale di questa cineasta formatasi a New York tra il Brooklyn College e l’Anthology Film Archives. Airway to Steven di Paulo Abreu è un fantastico montage sulle nuvole e l’ascensione quotidiana ritmato da un improbabile versione di Stairway to Heaven. The Reality Tunnel di Edgar Pera spiega in 7 minuti com'è che si rimane incastrati nell’idea indotta di normalità, footage di industriali su scienza e medicina anni 50 e oltre con voce narrante in impeccabile stile dipartimento scuola educazione. E cosi via con le altre compils 3-4 volte al giorno. “Lo conosci Nicolas Ray?” certo, rispondo.“Arriva stasera!” . Non oso chiedere spiegazioni. Continuando la conversazione con i primi conosciuti Karen Mizra e Brad Butler scopro che N.R. è stata una persona fondamentale nel sostegno logistico e il supporto tecnico per l’allestimento della loro lab londinese,la No.w.here Lab, che hanno fondato e organizzato raccogliendo l’eredità della mitica London Filmmaker’s co-op. Karen e Brad loro stessi filmmakers e artisti, iniziano il laboratorio per necessità, a Londra è difficile e particolarmente costosa l’autoproduzione in pellicola. Raggruppano quindi un po’ di persone interessate al cinema d.i.y., artisti e curiosi, ed investono ore del loro tempo per scovare i macchinari necessari. Trovano un posto che diventerà la sede, organizzano corsi di formazione per chiunque voglia cimentarsi con la regia e produzione in pellicola super 8 e 16mm, promuovono incontri sul cinema sperimentale e la cultura contemporanea e cominciano ad arrivare i fondi dalla città da istituzioni e fondazioni. L’assurdo dubbio su Nick Ray si dipana quando conosco Nicolas Rey, cineasta, che non a caso nella sua biografia ci tiene a sottolineare la casuale omonimia. Anche lui sembra si sia fatto le ossa con la old school della Cellule d’intervetion Metamkine, storico gruppo di Grenoble che mise su la labo MTK alla fine degli anni 80, dopo aver appreso i segreti dalla lab Een di Rotterdam, e da allora divenuto un riferimento per l’expanded cinema e la musica sperimentale. La loro esperienza in quel periodo diede luogo poi al moltiplicarsi delle Labos in giro per la Francia. Le loro performance sono quanto di più vicino tra il cinema e un concerto, a volte punk rock come nel caso di Mtk/Ad Libitum o un solo quasi jazz come la perfomance di Xavier Querel entrambi visti qui a Bruxelles. I quattro Mtk/Ad Libitum,usano il rumore dei proiettori amplificato come fossero bassi e chitarre, fender truccate. Rimandi e accenni sovrapponendo ognuno le proprie pellicole sullo schermo in un discorso poetico comune e oltre le rime, intervenendo a mano libera con vari obiettivi e filtri sulla luce emessa dal proiettore. Momenti di battaglia, armonie, pause dove anche assoli di immagine e audio trovano spazio. Xavier Querel invece siede da solo sotto lo schermo, maneggia un amplificatore e un proiettore, lo accende e assistiamo ad una proiezione su un piccolo schermo artigianale montato sul proiettore e rivolto verso gli spettatori. Una poetica cromatica aspra e malinconica ricomposta da found footage, scampoli di dialoghi, suoni e rumore usati nella loro distorsione. Rallenta e il piccolo schermo che guarda lo spettatore si squaglia, sparisce, la pellicola è bruciata. Cinema dal vivo…ciò che impressiona, che non si è più abituati. Guy Sherwin è un fautore di effetti speciali artigianali live. Riprende Man with Mirror una sua performance filmata del 71, dove con l’aiuto di uno specchio tagliava in più parti l’immagine di sé ridefinendo lo spazio intorno. Vengono in mente le prime video performance di Vito Acconci e Dan Graham che nello stesso periodo sperimentavano lo spazio pubblico e privato usando specchi e vetri. Adesso in sala Guy proietta quel documento su uno stesso specchio che maneggia rivolto verso il pubblico. Le mani di oggi incontrano quelle di allora, una sinuosa destrutturazione e ricomposizione che passa attraverso il corpo giovane e maturo del performer. Il ritmo dei movimenti svela e ricompone le parti mantenendosi incredibilmente a sincrono con la proiezione che vediamo riflessa. Un continuo mettersi a nudo e celarsi, un distillato di percezione tra realtà e finzione. Un labirinto del Dottor Caligari in B&N effetto fluo è Filmatruc, l’installazione di Silvi Simon e Laurence Barbier piena zeppa di macchine ottiche in continuo movimento. Mani lunghissime che si sporgono per non agguantarci, dita che si avvicinano, gomiti che avvolgono angoli, sculture di fil di ferro montate su aggeggi roteanti attraverso le quali si proietta per poi mirare la figura longilinea lassù sull’angolo del soffitto. Un esperienza tattile e sfuggente che pigia anche sugli sguardi laterali. La sensazione è di trovarsi agli albori del cinema, dove con la luce filtra la magia, l’intuizione, e il rumore del proiettore ti solletica per alzarti dal pavimento. Reduci dal concerto della rock band degli Ex, che il Nova ha organizzato durante La Rencontre, come ogni spazio sperimentale che si rispetti, di domenica è la volta di Pensiero Cinematico un affiatato gruppo di filmmaker, musicisti, prestigiatori e cuochi che occupando tutto lo spazio del bar danno il via alla loro performance Cucinema. Coinvolgono i partecipanti a fare la pasta, preparare la zuppa e i fagioli, capirne la cottura, odorare le spezie, fanno te e caffè a volontà per chi intanto interviene con pennarelli e trasferelli sulle pellicole di found footage disposte sul tavolo. Più tardi si mangia e si beve mentre viene proiettato il film collettivo realizzato nel lungo pomeriggio. Una domestica visione del fare cinema che hanno messo a punto durante gli happening nel loro laboratorio di Genzano e che fu intercettata dal Tekfestival nel 2004. Con gli incontri, il primo passato a presentarsi uno per uno, si è focalizzato sulle dinamiche organizzative e le politiche dei singoli laboratori e gruppi. Per passare poi all’analisi delle convergenze per alcuni o delle incolmabili differenze per altri tra il cinema digitale autoprodotto e l’uso artigianale della pellicola. Da sempre Abele e Caino del fare cinema indipendente come pronosticò JL Godard qualche decade fa. Esther Urlus di WORM Filmmwerkplaats di Rotterdam, simpatica ragazza in cinta di sette mesi, racconta che da loro se sai usare le macchine e miscelare per lo sviluppo e stampa bene, sennò l’unica chance è ronzare intorno a qualcuno sperando che sia dell’umore giusto per trasmettere il suo know how. All’Abominable di Parigi vige sia il sistema fai da te che la possibilità di iscriversi a dei brevi corsi, anche per film senza cinepresa, imparare le basi e poi lanciarsi nell’esperienza alchemica. Pip Chodorov presenta la sua ultima iniziativa, oltre alla nota società di distribuzione di cinema sperimentale re:voir, una galleria d’arte per film sperimentali appena inaugurata a Parigi, la Film Gallery. Da molti è discusso il fatto che i film sperimentali non abbiano l’accesso adatto nel mondo dell’arte contemporanea, dove soprattutto in Francia a livello curatoriale si fa ancora un’eccessiva distinzione tra film d’artista e film sperimentali non riuscendo a tracciarne una cartografia spesso comune. Mentre a Napoli la Fondazione Morra organizza da qualche anno una raffinata e autarchica rassegna di cinema sperimentale in ambiti di arte contemporanea ospitando curatori e cineasti internazionali, sotto il nome di Independent Film Show. Anche l’Exis Festival di video e cinema sperimentale di Seoul, presente al Nova con un folto gruppo di attentissimi coreani, ha un programma più che trasversale di film d’artista e cinema sperimentale, non oltre. Gli incontri si chiudono con l’intento di costruire una piattaforma su web per il cinema sperimentale e la creazione di un sito che avrà varie funzioni, dall’informazione su festival rassegne e proiezioni, alla diffusione dei film e delle programmazioni, al coordinamento per la raccolta dei fondi allo scambio sia pratico che teorico tra i vari gruppi. Ci si chiede con i ragazzi di Pensiero Cinematico se sia possibile iniziare un laboratorio di cinema sperimentale per far crescere questo genere di cinematografia artigianale che in Italia sembra quasi scomparso. Anni fa ci provò Stefano Canapa a Torino, con la Super 8 Mon Amour. Da qualche anno è residente a Parigi e collabora con l’Abominable. Intanto il Tekfestival e il Nova stanno collaborando per una rassegna sulle migrazioni che svelerà film e video scelti il prossimo Maggio al festival a Roma.

giravolte journal - Intervista a Catherine David - Aprile 2006

2009-06-08T08:09:00.000-07:00

Curatrice e teorica d'arte, Catherine David affronta la produzione contemporanea come una speleologa, affondando il suo sguardo negli interstizi degli spazi dedicati all'esposizione e alla produzione culturale dove si formano visioni e pensieri conflittuali. Traccia possibili mappature per aprire piattaforme di discussione e forum d’incontro e d’informazione, come accadde per Documenta X (1997), in Contemporary Arab Rappresentations (2003-2006) e in The Iraqi equation prossimamente alla Fondaciò Antoni Tàpies.  Il suo metodo di lavoro comprende anche il viaggiare, nel senso esteso dell'esperienza, a cui si dedica come strumento di conoscenza, ricerca e scambio. Attenta alle tensioni politiche e sociali, affianca fotografi, artisti, scrittori, filmmakers, musicisti, attivisti, poeti, analisti politici per la produzione di inediti spazi dedicati al dialogo e al pensiero critico.  "Lo scopo è di tracciare differenti livelli di riflessione, partendo dal lavoro degli artisti e rimanendo attenti ai discorsi del passato recente e lontano", scrive su Middle East News on Culture and Politics.  L'abbiamo incontrata in occasione della sua lecture al Macro di Roma, parte della serie Art Highlights curata da Dobrila Denegri. Vorremmo parlare della relazione tra la civiltà occidentale e quella araba. Sia quella che esiste tra i diversi paesi sia di quella che coesiste all’interno delle stesse nazioni. Si può parlare, secondo lei, di un conflitto tra civiltà o no? Viviamo in civiltà separate? Non sono d’accordo con l’idea dello scontro di civiltà. In realtà non si può essere d’accordo o meno, basta leggere le cose che scrive la stampa. Credo che sia una fabbricazione ideologica, non una realtà. Non ci sono mai stati conflitti di civiltà, ci sono state tensioni, e c’è una storia di conflitti tra alcuni territori europei e l’oriente, perché la questione appartiene all’oriente, l’altro di cui gli arabi sono solo una parte. Oggi ci sono delle culture arabe, ma non credo che siano più ferme o antagoniste delle culture asiatiche. La teoria dello scontro tra civiltà è una teoria da “nemico”. È banalizzante. Se guardiamo la storia vediamo che tutti i grandi momenti sono stati momenti di scambi, incontri - in permanenza - tra il mondo orientale e occidentale. Credo ci sia grande ignoranza verso la società contemporanea araba. E alcuni regimi arabi sono complici in questo, perché riportano al passato tutti i grandi momenti della loro storia: l’archeologia, i testi sacri, la cultura andalusa, Averroe. Credo che anche questa sia una costruzione e che bisogna guardare all’oggi, il mio progetto è partito in questo modo. Il problema è che non abbiamo accesso, non siamo informati su quello che accade in questi paesi, e delle volte questo deficit di informazioni proviene da quegli stessi paesi che preferiscono pubblicizzare Petra o i faraoni. Ciò che si produce nel mondo arabo, la cultura contemporanea, il dibattito culturale e politico, non è assolutamente riducibile all’integralismo di cui parla l’occidente. Io non parlo nemmeno di Islamismo moderato, perché questo Islamismo caricaturale di cui si parla in Occidente è assolutamente minoritario. Al contrario non abbiamo alcun accesso ai testi di rivendicazione politica, di emancipazione, alle teorie che si sono sviluppate dalla fine del diciannovesimo secolo e che sono state sistematicamente sradicate prima dai colonialisti e dopo dagli stessi paesi. Se ci facciamo delle domande su quello che succede nelle società arabe, nei loro sistemi politici ed economici o culturali, non possiamo riportare tutto all’Islamismo. È troppo facile. È come dire che non ci sono problemi sociali, culturali e politici. Quindi manca la circolazione del pensiero… Non conosciamo le idee che si sviluppano nel mondo arabo per diversi motivi. Già in partenza il deficit d’informazione deriva dal fatto che alcuni testi sono bloccati nei paesi d’origine per problemi di censura o, anche, perché ci sono grandi difficoltà nella distribuzione tra un paese ed un altro. A questo va aggiunto che, per problemi di traduzione, non riusciamo ad avere questi testi e discorsi in tempo reale. In Francia, per esempio, le case editrici che pubblicano libri arabi privilegiano i testi che hanno avuto successo nel loro paese, e questo è completamente folle, perché spesso i libri che non hanno successo sono proprio quelli che nei loro paesi non sono accettabili. Ed i libri che hanno più ampia circolazione sono proprio quelli che danno meno fastidio. Questo è un esempio insieme a mille altri. Per esempio non ho mai visto sulla stampa dominante un’intervista al capo di Hamas. È molto raro. Allora di cosa parliamo? Gli helzbollah, altro esempio, dicono cose anche interessanti. Sono un partito di governo, democratico o non democratico poco importa, ma dovremmo conoscere le loro idee prima di dire le nostre cose. Credo che oggi la critica verso l’Islamismo sia generica, come se l’Islam non fosse una religione, ma un’essenza. L’Islam non è un’essenza ma una religione che si sviluppa nel mondo, si trasforma nella società e nella storia. L’Islam è molto più del Corano. Pensare di parlare sempre di un’epoca in cui eravamo tutti felici e uniti trovo sia una posizione aristocratica. Credo che il popolo pensi ad altro, e non si può licenziare un popolo; credo abbiano molte ragioni per ascoltare i discorsi radicali, e che non ci siano che questi discorsi penso sia anche una responsabilità europea, che ha sempre condannato tutte le espressioni radicali e di dissenso dei partiti di opposizione, ai quali non è mai stato lasciato uno spazio. In Egitto, per esempio, dove non ci sono altri spazi di opposizione, non c’è uno spazio democratico. Ovviamente penso che alcuni esponenti radicali siano dei folli, ma quando viaggio non mi sento in pericolo o in un altro pianeta. Io personalmente mi sento più a casa al Cairo che a Londra, perché al Cairo le relazioni tra le persone funzionano meglio. Ma esiste un’arte che riflette questa situazione?  Ci sono artisti, produzioni contemporanee (film, libri, video, testi, foto) estremamente eterogenei. Credo che uno dei problemi della modernità araba è che si deve confrontare con discronie molto forti. Cioè con dei paradigmi, delle pratiche, delle referenze che non sono assolutamente sovrapponibili e che lavorano in spazi completamente eterogenei. Da qui la difficoltà di confrontarsi. Per esempio abbiamo a che fare con calligrafi (che è un’arte vivente), con chi lavora con la globalizzazione, che magari ha studiato nelle università americane, o con chi lavora, per esempio, sul cinetismo. Il problema è l’accesso limitato allo spazio pubblico, il limite è la mancanza di dibattito. Le immagini e i lavori devono circolare, e questo è difficile, non c’è la pratica del dissenso, di cui c’è bisogno. La gente è stanca, in Egitto, per esempio, dove c’è una sorta di dittatura, è difficilissimo organizzare un dibattito.  Credo che comunque ci siano certi margini di manovra che possiamo avere, giostrando tra il produrre degli avvenimenti lavorando in situ, e dialogando con quello che si può fare in Occidente. Se guardiamo i giornali, l’immagine più frequente del mondo arabo è “la strada araba”, dove vediamo gente che urla, gente che proviene da ambienti sfavoriti. È molto raro che si possa vedere la classe media, gli intellettuali o giovani che riescono a esprimersi in modo coerente. Abbiamo delle rappresentazioni estremamente stereotipate. In Iraq è lampante. Là ci sono dei blogger, che scrivono cose formidabili. È gente della alta borghesia, c’è una differenza di punti di vista, ma tutti loro sono iracheni. C’è un dissenso, l’opinione pubblica araba ha qualche ragione per esser innervosita con l’Occidente, per il modo con cui li tratta, per i discorsi che veicola, per il modo di risolvere i problemi al loro posto. Ci sono anche delle ragioni cartesiane a questo dissenso, non sono solo dei deliri o delle idee campate per aria. Guardate Hamas, che è stato eletto democraticamente con delle elezioni (che non è frequente nel mondo arabo) svolte in modo molto più corretto e sereno di quelle che si sono svolte in Egitto, ma nessuno ha mai detto niente sulle elezioni egiziane, dove hanno trafficato, fatto dei brogli. Nessuno ha detto niente.  C’è un dissenso che non pensa al conflitto totale, dovremmo iniziare da questo. Non tutti gli islamici sono assassini, ma soprattutto è fondamentale capire che non si possono mettere sotto l’ombrello della religione tutti i problemi sociali e politici che non hanno niente a che vedere con la religione. Certo alcuni partiti strumentalizzano il disagio, e bisogna dirlo, come bisogna dire che certe posizioni giocano con la religione, ma ho parlato con dei leader politici e con loro non parlavo di religione, non mi interessa, non è il mio livello. Parlavamo di politica.  Perché, credete forse che Hamas parli di religione? No. In realtà io credo di si. Perché la religione è parte fondamentale delle proprie posizioni etiche e, quindi, politiche …  Si, d’accordo, ma il problema è che parliamo di religione quando dovremmo parlare di economia, politica o società. Non abbiamo lasciato alla società araba e mussulmana, la scelta, la possibilità e il tempo di compiere un processo di secolarizzazione, che è già cominciato.  La maggior parte delle persone con cui lavoro sono persone totalmente secolarizzate. Festeggiano il Ramadan come si festeggia il Natale, e nessuno ha mai fatto dell’ostracismo perché si festeggia il Natale … …o perché si va a Lourdes…  Il processo di secolarizzazione delle società arabe o mussulmane, non è terminato, e ha delle forme differenti da quello della nostra società. Ma anche nella nostra società non è terminato.  Dobbiamo essere molto fermi su certi discorsi, ma non possiamo mettere tutto nello stesso paniere. Dobbiamo capire come le cose si sono sviluppate. Come è nato Hamas? Come sono stati finanziati i suoi esordi? Lei ha parlato della modernità araba, ma crede che la stessa modernità sia presente anche nel mondo mussulmano occidentale, nelle periferie francesi, per esempio?  No. La modernità è un fenomeno complesso, è un sistema che non prevede che qualcuno possa starne al di fuori. Siamo tutti moderni. La questione è dei paradigmi e delle sequenze che non sono sovrapponibili. Ci sono delle pieghe che non sono della stessa “materia”. Ho l’impressione che le banlieus abbiano molto meno a vedere con il mondo arabo che con la cattiva gestione dei problemi sociali. Chi ha bruciato le vetture? Non sono dei francesi di origine araba o africana. Sono giovani che hanno tutti gli stessi problemi. Credo che anche in Francia ci sia una manipolazione. Il problema sono i discorsi di Sarkozy, il fatto di non avere loro spazi dove potersi sviluppare, vivere, lavorare. Sono immigrati della quarta generazione, ed il loro problema non è la religione, non hanno alcuna idea di cosa sia l’Algeria, non ci sono mai stati. E la risposta a questo disagio è stata la costituzione di un Consiglio francese dei mussulmani che è un bel sistema per manipolare, esibire e controllare i più radicali. Lo trovo un sistema imbecille e non necessario. Se si vogliono prendere delle misure immediate penso che sarebbe molto meglio controllare la circolazione degli Imam. È possibile una relazione tra un artista arabo o africano e un curatore occidentale, o tra un produttore occidentale e un regista arabo o africano , che non sia una relazione coloniale?  La nostra società è incosciente (non parlo dei cinici ma delle persone “di buona volontà”), nel senso di senza coscienza della colonizzazione. Non credo che siamo usciti dal momento coloniale, e sono interessata al lavoro sulla differenza coloniale piuttosto che al post coloniale, perché penso che se andiamo troppo veloci poi non ci rendiamo conto che da certe dinamiche non siamo ancora usciti. Ma credo che siano questioni che si possano risolvere in relazioni individuali, volta per volta.  Cioè un regista o un artista arabo può essere strumentalizzato. Ci sono ovviamente artisti con i quali non lavorerei mai, gente che folcklorizza le situazioni, che estetizza i problemi. Ma credo che effettivamente una collaborazione non solo è possibile ma può realizzarsi su un livello di eguaglianza. A cominciare dal fatto che ci sono degli intellettuali e degli artisti estremamente potenti, articolati nel mondo arabo. Sono quelli che non si vedono e che non si farebbero mai mettere in una situazione paternalista o coloniale. È lo stesso rapporto che si crea nel mondo occidentale tra chi può produrre e ha i mezzi di produzione e chi deve trovare accesso ai mezzi di produzione … Un problema che vedo è che le società arabe sono delle società dove, per ragioni storiche, culturali o etiche, è estremamente non ben visto il parlare in prima persona. Ci sono pochi documentari, non tutti buoni, ma c’è Sawsan Darwaza una regista libano-giordana che mi interessa e che ha iniziato a fare delle interviste (è già alla quinta) di cinquanta minuti a degli intellettuali, produttori e artisti del mondo arabo, e penso che questo indichi che le cose stiano cambiando. Quello che manca, per delle ragioni di informazione, è che le persone possano sentire degli argomenti, dei ragionamenti, e non vedere solo delle facce: un arabo, un mussulmano. A questo proposito penso che sia molto bello un documentario There are so many things still to say (1996) che è una intervista con Sadallah Wanus uno dei più grandi autori teatrali siriani e sono le sue ultime settimane di vita, in un ospedale, e nell’intervista si ripercorrono cinquant’anni di storia araba, di footage. Quindi tutto è possibile. Quali sono le forme di rappresentazione del disagio odierno, nel mondo arabo, ma anche nel mondo occidentale, tra i giovani delle banlieus, per esempio.  Quello che succede nel mondo arabo ha un senso specifico. La televisione ha un ruolo fondamentale, è una narrazione della storia sociale ed è fondamentale nel senso dell’autorappresentazione. Quando parlo di televisione del mondo arabo parlo di Al Jazeera come anche di altri canali, ma soprattutto di Al Jazeera, anche se non è così libera come si dice. Negli ultimi anni vediamo che il ruolo della televisione è molto importante, è alternativo a certe situazioni completamente bloccate, dove sembra che tutti siano coinvolti nella Jihad. Invece ci sono dibattiti politici molto forti… … al contrario dell’Italia… che in Francia non si vedono, perché non vengono tradotti. Però il problema della televisione e del suo rapporto o non rapporto con il cinema è un problema solamente europeo. Credo che Daney avesse ragione: la nuova generazione non può più essere una generazione cinefila, non è la generazione post ’45 che si raccontava al cinema. Oggi è la televisione che fa questo lavoro con i talk show e i reality show. E tornando alle banlieus, non so se i giovani si siano filmati dietro le barricate, non avrei accesso a queste immagini. Pensare comunque che il cinema non possa essere in grado di rappresentare queste realtà mi sembra esagerato. Già da Documenta X erano presenti artisti che nei loro lavori producono anche informazione proprio come oggi sono i documentaristi a produrre informazione al posto della stampa e delle tv imbavagliate. Un altro problema è poi la diffusione di questi lavori. Ma per esempio è possibile creare un ponte attivo riconoscibile e accessibile tra questo tipo di milieu in occidente ed un milieu simile nel mondo arabo tra un artista ed un altro?  Credo che fino ad un certo punto le persone si parlano e si riconoscono, da artista ad artista, da informazione a informazione. Quando guardo l’informazione sull’Iraq è chiaro che i grandi giornalisti arabi o i bloggers sono perfettamente in sintonia con quello che scrivono i giornalisti di investigazione americani di sinistra. C’è un problema di accesso e interesse per l’informazione, anche se gli arabi sono mille volte meglio informati, leggono enormemente, hanno una serie di traduzioni non ufficiali per i libri. Sono rimasta molto sorpresa nel sapere quello che gli iracheni leggono o hanno letto, e le traduzioni che fanno tra di loro dei testi occidentali. C’era una cultura d’avanguardia in Iraq negli anni Settanta, è una cultura molto sviluppata, di gran livello, ma c’è uno scarto tra la conoscenza e l’analisi delle minoranze e l’accesso a questa conoscenza da parte di una massa disinformata e disarticolata. Questo problema si pone in tutto il mondo arabo. Tutti i discorsi affrontati fino adesso rientrano nella sfera politica. È possibile oggi fare arte prescindendo dalla politica?  L’arte è assolutamente al cuore della questione politica. Dire questo non vuol dire parlare di arte politica, che non mi interessa proprio e penso che quando l’arte si autorivendica come politica è l’inizio della fine. Al contrario penso che ogni dibattito estetico, in se, sia un dibattito politico. E poi cosa è l’estetica? È discutere di una forma o di un’altra, di un fuori o di un dentro, ma questo è, ed ha un eco nei discorsi politici, intendendo per politica non la gestione delle cose, ma politica nel senso di necessario dissenso, in una democrazia, da parte di quelli che non contano.  Tutte le opere in generale, e tutte le opere forti in particolare, si iscrivono in una spazio politico, ma appunto non siamo nell’illustrazione. Pedro Costa non illustra, non denuncia, non è il suo problema. Quando lo si conosce si vede bene che non è uno che parla di politica, ma è un animale politico. Nelle cose che abbiamo detto, le cose di cui abbiamo parlato, rispondono tutte alla domanda cosa vediamo? e come lo vediamo? Siamo obbligati a porci questa domanda. In Iraq, per esempio, nella produzione attuale, cosa vediamo? Vediamo dei sintomi di una crisi, e io non sono una sociologa o una psicologa, ma dico questo perché conosco l’insieme della produzione interna e mi sembra che mostrare senza commentare non abbia senso, sia un errore. Penso che nel mondo che viviamo la questione della politica sia essenziale.  Il problema dell’immigrazione non è la questione politica. La questione politica è chi conta e chi non conta. Il resto (i problemi tra Sarkozy e Villepin per esempio) è “politica contingente” e se ci poniamo solo queste domande non si avanza.  Ci sono spesso dei malintesi, la questione non è l’arte che si autoproclama politica, o ancora meno, l’arte relazionale, per esempio, che vorrebbe funzionare come ersatz, chimera. C’è tutta una serie di lavori che sono quasi niente, solo estetici, che non hanno alcun interesse in termini politici, e questo taglia il terreno, ma sono proprio questi lavori a venir spesso aiutati dalle autorità, le conforta, perché possono dire: “guardate ci sono artisti che mostrano i poveri clochard”. Ma qual è il modo migliore di mostrarli? Una foto che afferma la loro presenza o la loro compresenza, è questo, in una mostra un atto politico? Beckett è politico, non Houllebeque. Intervista realizzata con Antonio Pezzuto

giravolte journal - Cinema du Reel - Marzo 2006

2009-06-08T08:08:00.000-07:00

Il festival internazionale di film documentari, alla 28° edizione, ha una cospicua affluenza di pubblico attento e molti spettatori in avanscoperta che trovano a disposizione un’impressionante varietà di film nelle sezioni. Il concorso internazionale, la selezione francese, la rassegna sul cinema siriano, Detour e Hors competition i film fuori competizione. Film documentari che combinano le visioni della realtà con punti di vista personali, raccontando storie che spesso si intrecciano ai luoghi frequentati o di nascita, dove l’esperienza con il territorio e l’attenzione al suo divenire, in alcuni genera spunti narrativi in altri diventa centrale. Inoltre documentari dedicati al pensiero del cinema, La derniere utopie, la télévision selon Rossellini di Jean-Louis Comolli, al processo artistico, Tentatives de se décrire di Boris Lehman e Meng you di Huang Wenhai, alla sperimentazione nel rappresentare Symbiopsychotaxiplasm: Take 2 1/2 di William Greaves, alla ricerca audiovisiva per una serie di film televisivi, La Nuit di Paul Ouazan, ad artisti, Pierre Bonnard di Alain Cavalier. Film coprodotti da più paesi, spesso con la garanzia della prevendita tv, vari in partnership con Arte, molti autoprodotti e altri provenienti dalle scuole di cinema. Direzione artistica di Marie-Pierre Duhamel Muller. Il progetto di divulgazione di massa per un nuovo umanesimo di Roberto Rossellini è di estrema attualità. Concretamente utopico. Il cineasta all’inizio degli anni 60 pensava già a “una nuova missione per il cinema”. Usare la diffusione televisiva per far conoscere allo spettatore la grande avventura della storia dell’uomo e del pensiero, intrattenendolo. Una produzione e un palinsesto teso a rappresentare i momenti salienti della storia dell’umanità per capirne gli snodi e le evoluzioni. Diffondendo in tutte le case gli strumenti per coltivare senso nell’esistenza, “per ripensare il mondo, per riappropriarsi della propria storia, riscoprire l’immaginazione e il desiderio per la conoscenza come necessari elementi per fuoriscire dall’alienazione” come scrive Comolli. Che entra nel pensiero di Rossellini per condividerne le preoccupazioni, i dubbi, le proposte e le modalità di accesso all’esperienza cinematografica e televisiva. Uno degli obiettivi di La derniere utopie, girato con grazia sulle orme dei movimenti di macchina di Rossellini, è quello di rimettere al centro della fruizione dell’intrattenimento l’utilità del cinema e della televisione per lo sviluppo della conoscenza. Symbiopsychotaxiplasm: Take 2 1/2, coprodotto da Steven Soderbergh e Steve Buscemi, rivisita il girato in 16mm di un set nel quale la troupe entrò discutendo direttamente nelle riprese, era il 1968. Il regista afroamericano William Greaves guidava gli attori sperimentando metodi di narrazione. La separazione di una coppia era la storia da affrontare con metodo Stanislavsky e psicodramma dal vivo. Impostando delle situazioni emotive come chiavi della narrazione e lasciandoli improvvisare nei dialoghi e negli sviluppi, a caldo. L’operatore cominciò a consumare pellicola al di qua spostando l’attenzione dalla storia di coppia, lei nera americana e lui bianco americano, alle discussioni che i dialoghi e lo scenario scatenavano nella troupe di cinefili. Il regista non oppose resistenza. Tempo di guerra in Vietnam, di consolidamento del femminismo americano, delle Black Panthers, di I want to take you higher Sly & The family Stone, Freedom Richie Havens. Greaves a suo agio nell’infinita profondità di campo che il film aveva assunto torna nel 2005 a visitare i complici dell’epoca e richiama al disordine gli attori-coppia e i filmmaker amici di oggi. In video nella stessa location di Central Park gli attori discutono sulla messa in scena della coppia divisa che si rincontra trent’anni dopo. Provano varie strade di raccordo narrativo e di dialoghi, riflettono su come dare importanza ad una parte piuttosto che a un’altra. La troupe di filmmakers, con alcuni della vecchia guardia e altri new entry come Steve Buscemi in veste di produttore, interviene nuovamente con consigli discussioni e temi che narrano anche la storia degli Stati Uniti degli ultimi anni, l’Aids, 9/11, l’aumento degli affitti, la politica dei Bush. La riflessione sulla realtà e le possibili rappresentazioni continua con la sua poetica politica ed ironia. Arcana di Cristobal Vicente è un film che traccia una ricognizione dell’ex prigione di Valparaiso in Cile, girato nell’ultimo anno prima della chiusura definitiva. Il filmmaker tenta di entrare “nella città di detenuti” che chiude dopo centocinquantanni di esistenza e nella quale si sono sedimentati codici di linguaggio, condizioni aberranti di pratiche di sopravvivenza e relazioni difficili da decifrare dall’esterno. Il suo rapporto con la realtà della prigione è talmente complesso che Vicente amplia la materia d’indagine in un progetto multi disciplinare che comprende anche un libro ed un sito web (proyectoarcana.cl). Carnets d’un combattant di Stefano Savona segue passo passo, l’itinerario di combattenti curdi, la vita sui monti di, perlopiù giovani, donne e uomini mentre attraversano il Kurdistan iracheno per raggiungere le zone di guerra al confine con la Turchia. Il diario di uno di loro usato come voce narrante in soggettiva, ci guida nella quotidianità di questo cammino rivoluzionario, nelle tensioni, i sogni, i motivi, e nella certezza di poter incontrare la morte in combattimento. Savona li affianca, li precede e li lascia proseguire, ne pedina il fascino, le pause. Nel film si comincia a discutere del rapporto tra la donna e l’uomo, il femminile ed il maschile, un combattente tornato dalla Germania si confronta con sue coetanee mai emigrate, con attenzione e leggerezza. E’ presente Ochalan che tramite lettera viene ascoltato in silenzio in un campo di sosta lungo il tragitto. Si rivolge ai combattenti uomini avvertendoli di non fare gli stessi errori che fece lui esortandoli a capire il passato delle relazioni tra uomini e donne per rispettare e comprendere a fondo le loro compagne oggi, e esorta le donne a formulare e difendere con orgoglio le loro istanze e il loro posto nella famiglia, nel mondo kurdo, nella quotidianità, nella lotta di un intero popolo. Questi momenti di prezioso confronto sono materia d’importazione per i sedentari della ricostruzione di emancipazioni persi nell’esportare la democrazia altrove, tanto spaesati nel voyerismo ombelicale. Nei titoli di coda leggiamo che alcuni dei combattenti non ce l’hanno fatta a varcare il confine, la guerra di autodeterminazione di un popolo. Vincitore dello premio Scam International in ex aequo con Babooska, Tizza Covi and Rainer Frimmel, Austria. Altro film di produzione franco-italiana oltre Carnets è I Sette marinai dell’Odessa di Leonardo Di Costanzo e Bruno Oliviero, Vivo produzione italo-albanese di Mattia Soranzo e Ervis Eshja, A Ming di Alessandro De Toni e Matteo Parisini, tutti nel concorso internazionale. John & Jane di Ashim Ahluwalia. Nella cosidetta sylicon valley del globo, impiegati indiani dal perfetto accento midwestern rispondono alle chiamate toll free (numero verde) fatte in nord america per acquistare prodotti. Un call center per gli Stati Uniti con base in India, Mumbai. Dove gli impiegati perfezionano l’inglese direttamente sui cataloghi dei prodotti in vendita, hanno turni di dieci docici ore a notte, fuso orario, e alcuni ormai nella parte di John o Jane si innescano nella rappresentazione della prosperità globale, “tutti quelli che sono andati in America sono ricchi” dice Oaref alias Osmond. In parte è vero almeno rispetto all’attuale pro capite dell’India, nel frattempo i problemi del precariato e dello sfruttamento dei lavoratori immigrati negli States non sono da sottovalutare e sono finalmente materia di primetime news, dalle grandi marce degli ultimi mesi al Mayday made in U.s.a. Nell’ India, grande esempio di lotte sindacali ghandiane, di J & J oggi l’Eldorado è per contratto percepito altrove. Meng you di Huang Wenhai è popolato di artisti, musicisti e poeti cinesi impegnati nel fantasticare sull’arte e l’amore e nel mettere in atto il daydreaming. A dorso nudo o nudi del tutto in bianco e nero suonano heavy metal, fanno assoli di filosofia, ascoltano il ventilatore mentre si masturbano, usano i corpi come elastici per assediare ovunque il quotidiano di artisti. Un divenire dentro i cambiamenti sostanziali che percorrono la Cina d’oggi. Il film, vincitore del Grand prix del festival è la seconda parte di una trilogia su “la sopravvivenza in un mondo assurdo”. La retrospettiva sulla Siria raccoglie gli sguardi di Alexander Promio, operatore per i Lumière e tra i primi teorici dell’immagine in movimento sulla “grande Turchia”, del 1897 Damas:une place e Souk-el-Fakhra, i cinegiornali Actualités Pathé girati tra il 1924 e il 1931, Sous le ciel de Damas di Tahta Sama’ Dimashq, 1931, Bidayat Al Cinama fi Sourriya di Youssef Fahdah, 1964, che testimonia gli inizi del cinema siriano. Si attraversano gli anni dei grandi cambiamenti sociali e il mezzo documentario diventa discorso cinematografico per rappresentare voci, opinioni e poesia. In D’elle di Samir Zikra, 1982, una giovane donna siriana in jeans e maglietta viaggia in lungo e largo per il suo paese per intervistare e conversare con donne di tutte le generazioni ed estrazioni sul significato delle tradizioni, sull’amore e il rapporto di coppia, sull’oppressione, sui sogni, su le loro preoccupazioni. E i film di Omar Amiralay, impegnato da anni nella creazione di un istituto del cinema arabo, Yousry Nasrallah, Mohamed Malas, Oussama Mohammad tra cui il dirompente Noujoum A’Nahar (Stelle di giorno) del 1988, dove si narra delle disavventure di un matrimonio, combinato, e della fuga di Sana promessa sposa. Cinema du Reel si dirama anche oltre il Centre Pompidou, mentre le strade di Parigi sono piene di studenti e sindacati che lottano contro la Cpe, e le solite esagerate orde di celerini in tenuta antisomossa. E’ una scintillante assemblea permanente a cielo aperto e scaltra nel movimento, si cambiano percorsi via sms all’ultimo istante, più che una strategica somossa incendiaria. Nel metissage parigino gli antisommossatori impiegano il tempo a fare generiche retate di persone non bianche nel metrò, pratica violenta e fuori controllo legale che sembra essere all’ordine del giorno. Negli spazi pubblici della città sono molte le discussioni, litigate, invettive solitarie, a sfondo etnico che capita di ascoltare e testimoniare. Negli altri spazi la programmazione include Un Salone di musica con il cinema documentario, musica siriana dal vivo su immagini di documentazione girate tra il 1897 e il 1930, Suoni e voci della Siria, unaserie di documentari radiofonici scelti e assemblati appositamente. Gli incontri, aperti al pubblico, sono volti a promuovere il confronto e la verifica con le realtà produttive e distributive, gli operatori del settore istituzionale, di stampo mainstream, alternativo e autorganizzato. All’incontro Eurodoc, un progetto di network sostenuto dal programma MEDIA della comunità europea, in Francia dal Centro Nazionale della Cinematografia e la Procirep che promuove regolari incontri tra produttori e cineasti ai maggiori festivals del documentario, si discuteva sulle dinamiche di coproduzione oggi per i documentari di creazione di alta qualità. Partendo dal problema che nessun paese è più autosufficiente per garantirne gli investimenti adeguati. Nondimeno i meccanismi per raccogliere fondi stanno cambiando ad una velocità impressionante rispetto alla quale è necessario un training continuamente aggiornato per garantire la produzione e la diffusione dei film. Organizzato dall’Addoc, Associazione dei cineasti documentaristi, l’incontro su Filmare il potere: quali scenari , quali messe in scena? “E’ attraverso il cinema che tutto diventa possibile: indicare cosa manca, mostrare cosa è nascosto, far veder l’invisibile e ciò che accade attraverso la manipolazione, dare risonanza alle cose bisbigliate, forzare l’implosione degli slogan e mettere in crisi i discorsi ufficiali” come suggerisce Omar Amiralay. Partendo dall’esperienza del suo L’Homme aux semelles d’or dove il cineasta sceglie di filmare un uomo politico (Rafik Hariri). Nel documentario è reso evidente il rapporto di potere che esiste tra chi filma e chi è filmato. Della difficoltà nel filmare il suo personaggio principale il cineasta ne fa materia di narrazione, il film deraglia sulla questione della forma da adottare e sul dispositivo della messa in scena come rapporto di forza. Il cineasta filma il reale o la sua relazione con il reale? Le Giornate professionali incentrate su la diffusione del documentario puntavano a chiarire le realtà esistenti per la circolazione dei documentari e a verificare le possibili forme di collaborazione a venire accostando ai teorici della fruizione i realizzatori stessi. Erano chiamati a partecipare cinefili, registi, bibliotecari e videotecari, editori e librai, programmatori e curatori, professionisti del cinema e dell’audiovisivo, associazioni culturali e operatori sociali. Due i temi all’ordine del giorno, il documentario nelle sale e le edizioni in dvd accanto all’incidenza del video on demand, video a richiesta. Radiografare quindi la politica editoriale dei distributori e degli esercenti, i mezzi di diffusione dei film privi di distribuzione, e quali migliorie apportare ai meccanismi che sostengono la diffusione delle opere prodotte al di fuori del circuito cinematografico e televisivo. Per la seconda parte capire come si formulano le linee editoriali e le collane delle edizioni di documentari, quali prospettive ha la diffusione culturale e alternativa al di fuori della grande distribuzione in Francia e all’estero e come incentivare lo sviluppo del video on demand (satellite, digitale terrestre, audiovisivi via telefonia mobile) per far si che generi capitale da reinvestire in nuove produzioni. La presentazione della collezione Dvd Cinema du Reel che propone al pubblico una scelta che va dai classici del cinema documentario ai film di cineasti da lungo tempo assenti dalle reti di diffusione. La collezione diffusa in specifici punti vendita è dedita a creare anche un centro di risorse per la scoperta del patrimonio documentario internazionale attraverso la diffusione nella rete delle biblioteche publiche. Primo titolo in collaborazione con Zarafa films e Cmc, La Guerre de pacification en Amazonie di Yves Billon del 1973. Cinema du reel è un festival che permette di fruire il cinema ad ampio raggio, dalla visione dei film all’analisi della funzione culturale e di come incentivarla, a mantenere aggiornato il rapporto con l’industria in tutte le sue modalità. Un approccio che si misura con il contemporaneo cinematografico culturale e economico.

giravolte journal - Intervista a Philippe Garrel - Febbraio 2006

2009-06-08T08:06:00.000-07:00

Philippe Garrel è regista di moda, tra cinefili e frequentatori di festival. È un regista di culto, figlio dei fiori, come si diceva un tempo, i suoi primi lavori - cinema di poesia, senza titoli di testa o di coda, semplici lampi senza trama che illuminavano schermo e occhi - sono legati alla figura mitologica e al corpo di Nico, la cantante dei Velvet Underground, morta tragicamente anni fa in un incidente in bicicletta in un’isola spagnola. Con lei ha realizzato i suoi primi film, Le lit de la vierge o La Cicatrice intérieure, soprattutto, delirio lisergico ambientato in Messico, a lei ha dedicato i suoi film più belli, J'entends plus la guitare, soprattutto. Ma Garrel non è solo Nico. Ci sono stati altri corpi (Jean Seberg ripresa senza suono in primo piano in Les Hautes solitudes) il racconto della sua vita e del suo matrimonio (La naissance de l’amour), del cinema (Sauvage innocence), del sessantotto, (Les amants regulier, suo ultimo film, uscito nel 2005). Garrel ha lavorato e lavora tra film che mettono in scena il contemporaneo usando le forme, gli stili e i ritmi del contemporaneo, e film che raccontano “quello che è successo”, sia quando racconta episodi, privati (una moglie attrice che si inquieta perché il marito regista ha scelto un’altra attrice come protagonista del suo film) o collettivi (il sessantotto). Cinema di poesia e cinema romanzo. Ma sempre, quando racconta, anche quando racconta di realtà ormai trascorse, la sua attenzione all’oggi è prioritaria, nelle parole che si usano, nelle droghe di cui si abusa, nei pensieri che vengono messi in scena. Per questo - e nonostante il suo involontario essere alla moda - pensiamo che sia importante confrontarsi con le sue parole e i suoi lavori. Per la sua capacità di riflettere sul contemporaneo e di ripensare al passato, di mettere in scena ciò che avviene e ciò che è avvenuto, per il suo essere attivo, dentro le cose ed i movimenti, per il suo duttile rigore. Abbiamo incontrato Garrel a Perugia, in occasione del Batik che gli ha dedicato una retrospettiva, ed a lui dedichiamo la prima intervista che pubblichiamo, frutto di una lunga conversazione che abbiamo diviso in tre parti differenti, mantenendo un necessario disordine: cinema di poesia e cinema romanzo, il sessantotto e la memoria, il rapporto con il cinema. Tre temi che necessariamente si incrociano e si intersecano. Quando facevo La Cicatrice intérieure - ci ha detto Garrel - io provavo a scrivere della poesia in film, ossia di fare dei film che fossero delle poesie, tutti i miei film di questa epoca sono così. Io leggevo esclusivamente dei poeti, mentre oggi cerco di fare dei romanzi. La poesia è fabbricata in modo completamente differente rispetto ai romanzi. Un romanzo non è una lunga poesia. All’epoca, provavo ad essere un poeta del cinema e cercavo una scrittura che fosse come la scrittura in versi. Con La Cicatrice intérieure, per esempio, è come se avessi provato a far “rimare” dei piani. Oggi la mia ricerca è completamente differente, leggo romanzi moderni, classici e cerco di fabbricare un romanzo - non so se ci sono riuscito con Les amants regulier - ma è ormai da molto che cerco di fabbricare un romanzo. Prima ho iniziato a cercare di fabbricare dei romanzi moderni (La naissance de l’amour o J'entends plus la guitare) e oggi con Les amant regulier o Sauvage innocence ho provato a realizzare dei romanzi classici. Si può dire che la poesia, nel suo cinema, è azione, mentre il romanzo è osservazione, presa di distanza. Cioè che la poesia è stare dentro il mondo mentre il cinema è parte dell’azione.  Si, è vero. La poesia è una applicazione “diretta” tra la scrittura e la vita e, nello stesso modo, tra la scrittura e la mdp. Al contrario nel romanzo c’è qualcosa che è molto più matematico. Prendiamo, per esempio, Cesare Pavese che ha scritto molti romanzi e molta poesia. Quando leggiamo un suo poema non è la stesa cosa di quando leggiamo un suo romanzo, non cerchiamo la stessa cosa. E così il lettore o lo spettatore non cerca la stessa cosa se osserva un romanzo o se osserva una poesia. È la stessa cosa nel cinema. Il cinema di poesia non ha la stessa utilità del cinema romanzo. Nel cinema romanzo ci sono modi diversi di elaborare l’immagine e di elaborare la memoria  Quando scriviamo della poesia non abbiamo bisogno di scrivere il tempo. Quando si scrive un romanzo siamo obbligati a scrivere il tempo nel quale le cose accadono, di dipingere il tempo. Quando si scrive della poesia - era questo che volevo dire con “diretto” - è diverso. Poesia e romanzo sono molto differenti, sono così tanto differenti quanto la pittura e la scultura. Una volta che sono impresse sulla carta, all’esterno hanno la stesa forma, un libro, ma sono molto, molto differenti. Certamente il cinema di poesia esiste in misura molto inferiore rispetto al cinema romanzo. Quando ho fatto i miei primi film ero molto isolato perché il cinema in generale è romanzo, non è poetico. È molto raro il cinema di poesia penso ai miei primi film come penso a Zero in conduit, al film di Jean Genet Un chant d’amour o ai film di Cocteau. Sono eccezioni. Un film che Langlois ci mostrava era Tabù di Murnau e Flaherty.  Quello che penso è che io, in quanto artista, non ho voglia di mettere idee nella testa delle persone, al contrario, cerco di essere più libero degli altri per raccontare che queste cose succedono così senza alcuna censura. Uno è artista se è in grado di parlare delle cose umane totalmente nella verità e senza censura ma mai per voler influenzare le persone. Seconda parte dell’intervista a Philippe Garrel. Seconda parte che si concentra sul modo con cui è possibile raccontare la storia. E non si poteva che partire da Les amants regulier, film del 2005 Leone d’Argento a Venezia, storia di un amore nato nel maggio del Sessantotto sulle barricate del quartiere latino, tra l’odore acre delle molotov e l’odore dolciastro dell’oppio, tra due ventenni fou, una futura scultrice (Clotilde Hesme) e un poeta (Louis Garrel, che di Philippe è il figlio), scritto assieme a Marc Cholodenko e Arlette Langmann. Il film è stato più difficile da montare, rispetto agli altri miei film - dice Garrel - a causa del soggetto, il maggio Sessantotto, perché i produttori che hanno i soldi sono sempre di destra e la destra non ha voglia di costruire discorsi storici su soggetti che gli sfuggono, come appunto il Sessantotto. È stato molto difficile trovare i finanziamenti, e ho dovuto lavorare più lentamente. Quando realizzi un film, lui è interamente nella tua immaginazione. E sono rimasto quindi molto più tempo, rispetto al solito, dentro questo film proprio a causa di questo disagio economico. Mi hanno rifiutato le sovvenzioni statali a causa del soggetto, o anche, forse, perché è un film in bianco nero. Per me era una scelta estetica ma i produttori, quando sentono di un film in bianco nero, pensano ad un esercizio masochista, che non serve a niente. Il film non ha tagli. Visto che non avevo soldi ho girato esattamente quello di cui avevo bisogno, le tre ore. Non ho levato nessuna scena, e mi sono comportato come se fosse stato un primo film, non rendendomi conto di quanto stesse venendo lungo. E poi dato che nel film c’è mio figlio, filmare era molto naturale. Se voi filmate un attore e ad un certo momento l’attore ha recitato qualcosa con cui avete avuto un rapporto dialettico, l’emozione si realizza sul momento, poi passa. Se filmate vostro figlio è completamente diverso. Come mai proprio oggi lei e Bertolucci avete realizzato, a distanza brevissima, film su questo periodo? È solo per le elezioni del 2006 in Italia e per quelle francesi che Bertolucci fa questo film ed io anche. È per aiutare la sinistra. Parliamo del Sessantotto oggi. Se non lasciamo tracce in qualche anno si dirà che non è mai esistito. Il potere dei soldi lo nasconderà, perché gli da fastidio, avevamo altri valori, non i soldi. Me ne sono reso conto guardando in una enciclopedia la storia di Francia: all’anno 1968 non c’era scritto nulla. Ed è una enciclopedia di Hachette. Siamo dei testimoni oculari, Bertolucci a Campo dei Fiori, io a Parigi e abbiamo fatto film su questo periodo perché le nuove generazioni non sanno nulla di quello che è successo. Sanno solo che ci sono state delle manifestazioni e degli scioperi ma non sanno che c’è stata quasi una insurrezione, che eravamo sul bordo di una guerra civile e che il potere stava per cadere. E vogliamo fare questi film proprio perché veramente il potere stava crollando, in Francia. Oggi un sacco di persone che hanno fatto il Sessantotto sono morte. Noi siamo vivi e siamo cineasti, scriviamo quello che abbiamo vissuto. Se c’è qualcosa di autobiografico nel film non è la storia d’amore ma è il Sessantotto. La storia d’amore è completamente immaginaria, è simile a tutte le altre storie d’amore ma il racconto delle mode del Sessantotto, del rifiuto di fare il servizio militare e di avere un processo, di uscire di notte per parlare di insurrezione, di andare sui tetti dopo la carica della polizia, tutto questo è autobiografico. Il resto del film, le due ore e mezzo di romanzo d’amore, questo è immaginario. Parlare del passato ma con parole e sensibilità contemporanea. Il rapporto con la droga, ad esempio … La maniera nella quale parlo del Sessantotto o dell’oppio non è per niente uguale. Il film precedente l’ho fatto contro l’eroina, perché l’eroina è un problema reale. Faccio molta attenzione sul piano morale a quello che dico perché non voglio dire cose distruttive. Mi permetto di parlare dell’oppio, senza alcuna considerazione positiva o negativa, perché l’oppio non esiste più in Europa, non è più pericoloso perché non si trova. E non si trova più perché la mafia lo trasforma in Oriente per invadere l’Europa di eroina. Non avrei mai parlato così di eroina, in modo così aperto e senza conclusioni morali. Quando ho fatto Sauvage innocence mi sono comportato in modo diverso. È come dire di volere mostrare dei film ai bambini e nello stesso tempo raccontare tutto dell’essere umano. È uno dei problemi che ha l’artista: come si può dire tutto se nella sala ci sono dei bambini. Li influenziamo, ma nello stesso tempo non possiamo fare come in televisione. Si diventa completamente folli davanti alla TV perché quello che ci dicono è totalmente selezionato, i discorsi che fanno riposano sull’interdizione di parlare di un sacco di argomenti della nostra vita. È solo per questo che amiamo il cinema perché il cineasta non ha la morale che hanno coloro che lavorano in TV. Sotto il falso pretesto di non offendere nessuno non dicono nulla. Film che pensano a ieri per raccontare l’oggi… Non c’è per niente nostalgia nel film, i giovani sono usati come degli altri ego. La Storia c’era allora e c’è anche oggi. A Genova, per esempio, c’è stato qualcosa. Questi giovani vengono da qualche parte, non sono isolati, c’è un mondo dietro che continua, che non comprendiamo. Io non volevo fare un film che dicesse che il Sessantotto era la fine di qualcosa. Al contrario. Credo che ogni generazione abbia una propria forma per vivere la storia. La situazione più vicino al film è Genova, le manifestazioni di Genova. Non si può dire che una epoca è più interessante di un altra, è solo che non comprendiamo le altre generazioni, ed il muro tra le generazioni fa si che non riesco a capire i giovani che hanno l’età di mio figlio. Ma questo non vuole dire che non c’è nulla. Oggi è uguale: c’è l’individuale, il collettivo, la storia, i gruppi. Le rotture dei gruppi, le coppie. Penso che tutto questo esista sempre. Il mio film è andato in onda in televisione il 25 ottobre e - per caso - il 26 le banlieu hanno iniziato a bruciare. Alcuni hanno fatto battute su questo, ma la storia dell’insurrezione inizia sempre nello stesso modo. È una coincidenza, ma quando bruciano la bandiera francese nel film questo ha sicuramente un effetto per il pubblico francese. Trovo interessante anche questo, i pubblici sono molto differenti rispetto alla nazionalità. A Venezia, per esempio quando l’attrice dice “hai visto Prima della rivoluzione di Bernardo Bertolucci” tutti erano molto emozionati, perché eravamo in Italia. In Francia questa frase non crea nulla, ci si ricorda solo che in quell’epoca si parlava di Prima della rivoluzione, mentre quando brucia la bandiera si crea una tensione. La nazionalità del pubblico la vedi anche in rapporto alle bestemmie: per esempio quando il personaggio ha paura e piscia sotto la statua della Madonna, gli effetti sono diversi secondo i luoghi dove lo proietti. A volte la gente ride a volte è un po’ scioccata. Penso che questo film affronti argomenti ancora viventi storicamente, ricordano qualcosa che è ancora vivo. Mentre facevo la ricostruzione del Sessantotto pensavo alla barricata e pensavo a Genova. Argomenti ancora viventi storicamente ai quali le distribuzioni riservano spazi marginali.. Il progetto non è quello di far vedere a tutti Pierrot le fou di Godard. Il progetto non è che tutti gli italiani debbano vedere Deserto rosso e che tutti i grandi cinema lo proiettino. Chiediamo solo che si possa vedere anche Deserto rosso, non solo lui. Il nostro progetto non è di mettere il nostro cinema al posto di quello hollywoodiano, perché questa sarebbe una uguale forma di totalitarismo culturale. Non vogliamo tutto il mondo ma solo una parte del mondo. Per questo la destra ci teme e la sinistra ci tollera, perché la sinistra permette il margine e se voi volete vivere nel margine è necessario che abbiate il diritto di vivere al margine. Quello che rivendichiamo è proprio questo diritto al margine, non che i nostri film siano obbligatori per tutti. La storia della cultura è una storia di permissività. È per questo che ci interessa che la sinistra vinca in Italia ad aprile, perché vogliamo il diritto ad essere differenti.. E questo sarebbe già molto.  Concludiamo l’intervista a Philippe Garrel realizzata in occasione del festival Batik, cercando di parlare del senso della sua esperienza artistica e politica.  Per vedere film come il mio - continua Garrell - bisogna essere pronti. Pronti a vederli, altrimenti passano completamente di lato, anche a causa della loro lunga durata, perché oggi non si hanno tre ore da dedicare ad un film. Anche se abbiamo tempo per leggere dei libri, per un film questo tempo non c’è, è come se non avessimo più il tempo da consacrare all’arte. Quando si è giovani artisti si dice sempre che si vuole influenzare o affermare il proprio aver ragione. Ora voglio continuare ad essere considerato artista sveglio, o uno che continua a fare arte, cioè capace di dire le cose senza tabù. C’è una sorta di scollamento tra il cinema e la società …  Non sono così sicuro di quello che faccio. Se interesso è anche perché c’è un lato legato alla moda, al fatto che le persone amano quel determinato cineasta. Nel cinema, e ovunque, oggi si è molto soggetti alla moda, e alcuni registi funzionano perché sono di moda. Si può distinguere tra buoni film dai cattivi film ma è molto difficile parlare di cinema. È molto difficile dire che un film è riuscito, o che un film è migliore di un altro, non credo che oggi gli autori siano in grado di fare film potenti. Certo, Lars Von Trier è riuscito a fare Breacking the Waves, dove lo spettatore non riesce a scappare. Io non sono ancora riuscito a fare film potenti, forse perché ho troppi pochi mezzi rispetto a altri autori, e non ho ancora questo forza sul grande pubblico. Non sono per niente convinto della potenza sul pubblico di quello che faccio. Ma questo non vale solo per me. Anche Godard oggi non ha enorme pubblico. È molto difficile fare un film vero (da un punto di vista cinematografico) e nello stesso tempo con potenza rispetto agli spettatori. In Les amants regulier, appena si esce dal Sessantotto, dopo i primi tre rulli, la storia perde enormemente di potenza. Se si parla di cinema come ipnosi, arrivi a fare delle cose come Hitchcock, che ipnotizzano. Non ho ancora finito la mia ricerca. Per fare cinema si deve essere nello stesso momento molto sintetici (perché la gente non ha tempo), ma si deve catturare lo spettatore interamente con molta velocità, fargli dimenticare quello che c’è intorno. E questo è molto difficile anche i più film riusciti hanno un lato preistorico, rispetto a questo. È molto difficile essere nello stesso tempo integrali (prendere integralmente il pensiero delle persone) e nello stesso tempo molto corti (farlo il più velocemente possibile). Ed io penso che questo sia impossibile, non funziona. Il cinema oggi è un arte che non funziona bene. Nel suo cinema gli aspetti legati alla memoria, alla Storia sono sempre presenti almeno quanto i riferimenti alla poesia. Quale è la sua opinione sul rapporto tra la finzione e il reale?  Se parliamo in rapporto alla memoria: l’utilizzazione della vita reale in una poesia o in un romanzo non ha la stessa funzione.  Rispetto alla situazione in Francia di oggi, per esempio, c’è un regista, Jean François Richet che ha fatto un film intitolato Ma 6-T va crack-er. Lui può fare questo film, noi no. Avevo scritto una sceneggiatura sulla vita di un operaio, e quando ho finito mi sono reso conto che non ero assolutamente in grado di metterlo in scena, non potevo dirigere gli attori, sarei stato ridicolo. Non possiamo parlare che di quello che conosciamo. Un artista non può parlare di molte cose, può parlare solo in relazione al suo paese, alla sua classe sociale, al maschile. La cosa di cui parlo di più, la più grande ricerca che faccio, a parte il maggio Sessantotto, è - per questo sono discepolo di Godard - l’essere maschile. E la sua relazione con l’essere femminile. È questo che studio. Già non capisco le nuove generazioni, o le persone che appartengono alla mia stessa classe sociale, è impossibile capire cosa ha nella testa un giovane operaio arabo, umiliato ogni giorno dai poliziotti e che dice basta. Sappiamo solo che esiste. Ma è il cinema la forma d’arte in grado di raccontare il disagio contemporaneo?  Godard dice che ci sono sempre più macchine per comunicare ma abbiamo sempre meno cose da dire.  Io sono costretto ad appoggiarmi sulle altre arti, non posso prendere una posizione solo rispetto alla storia del cinema perché c’è tutta una parte di cinema che è troppo volgare, una parte di quello che la gente intende come cinema è troppo volgare, e allora sono costretto a confrontarmi con la pittura e la letteratura. Per esempio, penso a Camus e penso che il cinema non ha mai avuto Camus, ossia uno che era allo stesso tempo il più grande scrittore ed il più grande specialista di scrittura. Godard e Antonioni sono dei geni artistici in qualche modo, ma non hanno avuto questa altezza nella loro vita, come la ha avuta Camus. Mi comparo con altre arti per arrivare da qualche parte, perchè il cinema non è umanista, in generale è naturalista e questo non è per niente interessante. Forse siamo ancora agli inizi del cinema, ma è come se fossimo ancora in un’epoca nella quale la pittura d’amore non era ancora uscita dalle Chiese. A parte la Nouvelle Vague (Truffaut, Godard, Demy, Varda, Rivette, Eustache) o gli italiani (Antonioni, Pasolini, Fellini Visconti) - i miei maestri, quelli della mia generazione, li considero degli uguali a me, non come dei padri - c’è qualcosa che resta nel cinema italiano o francese che mi interessa, se no mi rivolgo alla pittura, studio pittori, non posso restare nel cinema. Ci sono dei giovani, adesso, che sono tutti nel cinema, non esiste che il cinema, ed è a causa del fatto che i media difendono quella parte del cinema molto volgare che devo uscire dal cinema. La danza o il teatro, sono ambienti che interessano solo persone di una certa cultura, ma visto che il cinema, come la musica, interessano la totalità del mondo, sono le due arti che hanno più volgarità. Sono costretto, per non trovare questa volgarità, a rivolgermi alle arti che non interessano il mondo, come la scultura. Mi appoggio sempre sull’osservazione delle altre arti. Se non ci fosse che il cinema sarebbe folle, atroce. Parla dei suoi padri (Nouvelle Vague, Antonioni ..), ma la sua generazione è stata in grado di avere dei figli? Certo, in Francia, ci sono Deplechin, e Carax, per esempio, che sono molto importanti. O Chantal Ackerman. Prima facevo ogni quattro o cinque film un film con mio padre, che fa l’attore, adesso penso che ogni 4 o 5 film farò un film con mio figlio. Sento spesso dire che la nostra generazione non ha dei figli ma penso che non sia vero, penso che la generazione del Sessantotto è stata più lenta, ma finalmente i figli, ora ci sono. Un’altra delle caratteristiche degli anni Sessanta e Settanta erano le esperienze collettive. Nei suoi lavori sembra, quasi sempre, che queste esperienze, per svariati motivi, siano destinate al fallimento… È una immagine, non vuol dire nulla. Possiamo parlare dell’esperienza del gruppo ma non ha rapporto con la coppia.  Ma questo è forse è proprio dell’individuo. È come se, per esempio, nel maggio Sessantotto avevamo studiato Marx. E poi dovevamo studiare Freud. C’è una ragione e la ragione è che il collettivo non rimpiazza mai la famiglia nell’educazione, perché nella educazione la cosa più importante è la coppia, i genitori, la famiglia. Ma c’è ancora gente che studia Marx, perché Genova è la prova che ci sono dei giovano che hanno 18 o 16 anni e vogliono cambiare il mondo, provare a migliorarlo. Con artisti come Bertolucci o Bellocchio siamo aperti al mondo ma forse non partiamo più dall’idea di poterlo trasformare, anche se abbiamo la volontà di trasformarlo, abbiamo più un atteggiamento da stoici. Ma la domanda che fate è frutto di una riflessione generale, come fosse il titolo di un saggio, “tutti i gruppi quando diventano uno”. Ma non è solo perché c’era l’antisemitismo nel comunismo che il comunismo ha fallito, c’erano degli altri errori, la Germania dell’est, tutti gli orrori. Ci sono anche delle ragioni nella natura umana che fanno si che non si riesca ad uscire dalla preistoria dei rapporti interpersonali. Nello stesso modo si potrebbero studiare i gruppi di rock & roll e vedere come mai ad un certo momento il gruppo diventa un falso gruppo, diventa un gruppo solo economicamente, nel modo di sopravvivere, ma non più unito sul piano dell’amicizia. Credo che la coppia sia più in relazione alla natura, mentre il gruppo è più legato alla giovinezza, che non vive mai nell’eternità e che c’è sempre qualcosa che lo fa crollare, precipitare, come nel film. Intervista realizzata con Mazzino Montinari e Antonio Pezzuto

Purple Journal Winter 2005 - October Journal, Sat. 23rd Roma

2009-06-08T08:02:00.000-07:00

Hey I’ll see you later, eight in front of the theatre. Okay, ciao. In Piazza Vittorio there are about 70 people demonstrating for the recognition of immigrant people’s rights, and there are about 300 police men in riot gears. Come on Filippo let’s go we got to get to the supermarket before closing time. I’ll be right back yeah you stay here. Be nice. Sounds of tear gas shots few blocks away. It’s dark already. Around the corner, all those flags with celtic crosses and svastikas are flowing on the wind. A few meters more and they start shouting. dux dux dux, we’ll show you who’s neighborhood this is. dux dux. The fascists are here to stay! A woman in her fifties is staring at them with a startled look, passers by just keep walking, a man shakes his head, some shops owned by chinese, bangladesh or middlle eastern people are closing down. Others are gathering in front of the entrances. Like they are ready to defend the shops if necessary. I stop. Look. Think of those recent talk shows where the guests debate on the anacronistic fact of being an anti fascist today. Dux dux dux they shout again. I’m not good at managing molotov cocktails, can picture myself burning up instead or end up in jail for whatever time, therefore I leave. Looking beyond the heads. Up to the skyline. Fuck. Allright Filippo dear, here is your dinner.

Alias 15/03/03 - per Ecchime, Antologia Sinfonia di Victor Cavallo

2009-06-08T07:59:00.000-07:00

Un pomeriggio alla vineria di Campo di Fiori bevevo e parlavo con mio padre cercando di dribblare i suoi massimi sistemi fantasiosi ma ad oltranza e mentre tentavo di concentrare le digressioni su cose piu’ concrete arriva Gregory Corso e si mette a bere con noi. Le digressioni diventano ululati discussioni animate e risa con Gregory che mi parla a due centimetro dal naso. Ad un certo punto si leva una voce dal back della vineria che dice “Ma ha volete lascia’ perde qua regazzina…” . Avanza lentamente Vittorio e io riaquisto un sorriso disteso e ordino un altro brachetto. Avevo diciotto anni ed ero nel mezzo di uno dei miei incontri del terzo tipo. Vittorio sbucava nelle mie giornate a intervalli di anni, ma fin da quando ero piccola me lo ricordo come uno di famiglia, della famiglia allargata in cui sono cresciuta. Era anche un po’ il mio guru, una persona con cui parlavo di cose intime senza rabbia per essere fraintesa e senza strani pruriti mentali, mi sentivo proprio a mio agio con lui e le sue ciglione che sbatteva in slow motion flap flap. A piazza Farnese durante un sit in contro gli esperimenti atomici che il governo francese faceva nelle isole Mururoa, Vittorio si sdraia sui sanpietrini allungato sul fianco alla paolina borghese davanti alla fila di carabinieri che ci teneva a distanza dal palazzo e gli sorride, loro si innervosiscono e lo guardano in cagnesco lui allora gli declama poesie mentre un gruppetto di benpensanti molto p.c. si scansa chiedendosi se “è” matto. Vittorio era un inventore sopraffino di strategie di resistenza ludica che nel melmoso terreno politico romano accoglievano purtroppo in pochi. Un estate Upstate New York mentre lavoravo come assistente operatore sul set di “Angela” di Rebecca Miller conosco un giovane e promettente attore durante la pausa pranzo. “Sei di Roma…forse conosci Victor Cavallo”, si gli rispondo avoglia se lo conosco. “Per me il cinema italiano sono Bertolucci e Victor Cavallo. Con Victor ho fatto il mio primo lavoro teatrale mentre ero ospite da lui a Roma poi l’abbiamo portato anche a La Mama Theatre a New York, abbiamo vissuto insieme un bel po’ di mesi era l’inizio degli anni ottanta, sono anni che non lo vedo ma gli voglio un bene da matti” confessò Vincent Gallo mentre ci annunciavano che il break era over. Victor Cavallo & Vincent Gallo…pensavo mentre rimanevo immobile dopo aver battuto il ciak. Anni dopo proposi a Vittorio di fare un video io e lui su una figlia ed un padre che si incontrano per la prima volta, improvvisando i dialoghi. “Vabbe’ quando lo voi fa?” mi dice, “La prossima settimana ti va bene perché poi a fine mese torno a New York”, “Va bene ce pensi te a tutte le cose…e poi ci sentiamo e fissiamo il giorno”, “Okay”. Raccimolo amici e risorse e giro “Al confine tra il Missouri e la Garbatella” videofilm di 30 minuti. Il duetto con la cassetta di “Paloma Blanca” cantata da Gilberto Gil non me lo scordero’ mai, “Basta, ma che me devi fà, dove me voi portà co’ sta voce, non ce la faccio piu’, dai no….”. Sentilo! Mi dice Skarfeis mentre ascoltiamo una meraviglia delle meraviglie. “U u u u uuu cantavaaa” con una voce sottilissima Gilberto ci mandava in visibilio “E’ troppo non ce la faccio” ribadeva Vittorio che aveva conosciuto lui e anche la madre. “Sei proprio una lanzinecca” mi dice a fine Marzo ’98 al baretto su piazzale Ostiense mentre gli spiego com’è successo che voglio girare un film in cinemascope con lui protagonista e bisogna iniziare le riprese a inizio Giugno senno’ poi slitta tutto a chissa quando. Il 30 Maggio ’98 iniziamo a girare sotto il ponte. Quell’estate Vittorio decide di fare una cura di disintossicazione, alla fine delle riprese del film a meta’ Luglio giravamo in un bar a Rocca di papa, interno notte, un caldo boia sudavamo tanto. Lui diventato un po’ gracile si sosteneva e resisteva, nelle pause s’allungava da qualche parte ed io quando arrivavano le sue scene da girare lo andavo a chiamare per vedere come stava. Piu’ di una volta ad altri attori con cui recitava ha ricordato gli attacchi del dialogo i movimenti che avevamo provato e con loro ripassava i dettagli pochi minuti prima del ciak. Nella scena dove gioca a carte con Quinto ha sfoderato anche una bella risata alla Victor Mature. Il film, che si chiama Giravolte, riesco finalmente a finirlo nel 2001, dopo che il 23 Gennaio del 2000 mentre ero a lavorare fuori Roma, apro il manifesto alla pagina visioni e vedo una grande foto di Vittorio, un articolone su Vittorio! penso. Era morto. Secondo me cantava “Don’t cry for me Argentina” con chissachi e chissadove quando si fece la serata omaggio al teatro Argentina. Durante il concerto dell’Orchestra di Piazza Vittorio, lo scorso Dicembre a P.zza Vittorio arriva un tipo che raccoglieva firme per non mi ricordo cosa e parlandoci mi racconta che è in una delle associazioni del quartiere che stanno costruendo il dragone cinese rosso per i festeggiamneti della befana. “ Lo stiamo costruendo in cartapesta con i bambini che gli hanno messo nome Victor”,”??!?”. Visto l’attesa e il putiferio istituzionale che ha poi creato deve essere stata una delle sue reincarnazioni meglio riuscite. “(…)Lei è bella.Indossa un soppalco di mogano chiaro e profumo Balenciaga.(…)”, “(…) io raccolgo gli occhi nella spazzatura/io accompagno mio figlio nel paradiso totale/senza nessun pericolo né gas né elettricità né politica/né bicchieri né coltelli né stanze di pavimento.”, “…ed ora preparate i corpi alla nuova primavera”, Ecchime è finalmente arrivato, grazie all’ìimpegno certosino di varie amiche e amici di Vittorio, una prima raccolta del suo spirito “sofisticato e zozzo”, come si racconta lui. Speriamo che seguano altre antologie e sinfonie di VKV e speriamo anche che Giravolte, e quindi Vittorio, dopo esser corso in giro per festival internazionali di cinema sia reso visibile, anche a Roma e in Italia, dalla Pablo che lo ha incluso nel suo listino di distribuzione dal 2002. Vola cavallo vola la curva s’innamora!

Aperture, punti di vista a tema n.14/15 2003- Appunti su caos e cinema

2009-06-08T07:57:00.000-07:00

Caos panottico abnorme formato palazzo, veloce come i led display, costante giorno e notte. Niente di nuovo lo sappiamo lo viviamo lo digeriamo piu’ o meno bene. Spesso stucchevole e abbrutente ogni tanto folgorante il caos ottico e’ una presenza quotidiana, familiare. Caos cinematografico…cos’e’ oggi un film? Waiking Life di Richard Linklater segna l’inizio di millennio, riprese in dv, attori piu’ o meno famosi per passeggiate mentali su lost highways, montato ripassato in postproduzione su software sviluppato nel pc di un fissatissimo cartooner di Austin. Zero Day di Ben Coccio del 2002 racconta i due teenager americani fautori della strage della Iroquois high school partendo dal materiale in cui i due si videoregistrano per raccontare le loro prossime gesta prima di uccidere undici studenti, un professore, ferirne altri diciotto e spararsi. Seguono riprese di videocamera di sorveglianza della high school e interviste ad amici e parenti. Film d’artista vari ed eventuali. Uno dei recenti megasuccessi Cremaster 3 di Matthew Barney sara’ distribuito in sala negli States nella Spring 03. L’ultima edizione di Documenta piena zeppa di video e film proiettati a getto continuo, come avessero perso la durata stabilita, artisti che fanno video di 15-30 minuti e li chiamano films, documentari reportage televisivi e fiction varie esibiti in gallerie d’arte. Affievolite o scomparse le regole che definivano un film, viaggiamo nell’immaginario dei vari “oltreformati”. Evviva! Continuo a camminare facendomi domande che sfociano nel mio lavoro di filmmaker. Giravolte il primo lungometraggio che ho diretto e co-scritto e’ caotico. Un viaggio del protagonista Victor Cavallo attraverso una metropoli, Roma. Incontri, scontri, conflitti e poesia di uomini che vivono in una baracca sotto un ponte, di due ragazze new global alla ventura ed un altro suicida, di un mercato delle pulci con i suoi venditori e compratori, di un bar notturno con i clienti abituali e di passaggio. Fine aperta non c’e’ risoluzione ne’ redenzione. Varie piccole storie si intrecciano, soprattutto persone, personaggi e dialoghi con le loro linee di fuga fanno il film. Assenza quindi di struttura classica in tre atti: capire esattamente dove e con chi siamo e presagire il conflitto entro i primi dieci minuti, svolta a meta’, risoluzione-redenzione finale. Come insegnano i manuali più reazionari hollywoodiani giustamente preda dei personaggi di Adaptation di Spike Jonze. Le domande mi hanno portato il desiderio e la ricerca per andare oltre le regole, sia nella struttura della sceneggiatura che nel montaggio. Giravolte è un film che piace, cattura o provoca rifiuto, non piace per niente. Credo perché non abbia cercato di domare il caos dei luoghi ma soprattutto ho cercato di farlo venire fuori per imprimerlo su pellicola. Giravolte è una tappa di un percorso nella ricerca del cinema, rielaborando le regole e le destrutturazioni del secolo scorso, istigando quindi la definizione di cinema. D’altro canto il panottico mediatico mi provoca spesso rifiuto per l’immagine, ma non è tanto il caos mediatico quanto la contradditorieta’ di questo caos. Pubblicizzare una guerra umanitaria o di liberta’ duratura, un presidente del consiglio con a disposizione troppe reti televisive e canali di distribuzione mediatica, l’idea di un’ordine pubblico come il comportamento strategicamente sanguinoso e poco ordinato di polizia carabinieri e finanzieri per le manifestazioni di Genova e Napoli 2001, o vendere l’idea della donna emancipata in carriera executive mentre senza tette e culi troppo spesso non si riesce a fare televisione o a vendere un prodotto. Non consumo come buono qualsiasi cosa o evento solo perché esiste. Quindi queste sono contraddizioni che non amo né mi affascinano, perché confezionate per controllare il movimento dei neuroni e delle ieratiche orbite delle emozioni degli spettatori. Per mettere in riga le autentiche contraddizioni che ondeggiano dentro di noi. Difesa? Leggi? In alcuni casi ci sono ma si applicano spesso contro chi non ha potere di rappresentazione, in altri casi si legisla a proprio favore. Queste sono contraddizioni inaccettabili che provocano morti e feriti e riducono la stima in se stessi si mimetizzano ad hoc nel caos dell’immaginario quotidiano, dunque è necessario trovare dei decoder ready made, accessibili a tutti. Il caos che percepiamo non si puo’ fermare ne ordinare universalmente, ma si puo’ far deragliare…. La soggettivita’ del cinema crea visioni che spesso liberano la testa e ci aiutano a leggere “la realta’”, queste visioni creano territori e cartografie capaci di orientarci oltre la rappresentazione e quindi nel migliore dei casi alimentano la percezione di autentici punti di fuga dell’immaginario. Questi film dall’anima fibrillante si estendono nella percezione dello spettatore e fanno deragliare immagini prodotti e concetti che pretendono di rappresentarci, di conoscere i nostri desideri e le nostre paure, da tempo massmedializzate. Esempio ahinoi ancora prorompente la rappresentazione massmediale ed “oggettiva” delle donne. Dove prima si era in biblico equilibrio tra Madonna e Puttana, adesso in globalizzato bilico tra intransigente forzuta Lavoratrice e ultra disponibile Divoratrice. Ma lo cantava James Brown e lo ribadisce Martin Scorsese nella barbuta scena d’apertura di Gangs of New York, “it’s (still) a man’s world”. Le donne del cosidetto terzo mondo poi vengono massvisualizzate perlopiu’ su National Geografic o quando si parla di beneficienza glamour. La comandante zapatista Ramona, Patti Smith, Missy Elliott, disabili ed handicappate nel frattempo prendono appunti. Gli appunti sono importanti, appunti da rivelare e condividere, da esibire e da frullare, sono inoltre ingrediente base per costruire la memoria! Appunti sono i mille corti, music videos, web films, flashtoons, films, street tv, e diramazioni di media indipendentemente dal mercato sfonda timpani concepiti che si connettono senza tetti stabili ne leggi che li tutelino, anzi. Per questo vivi, sanguinanti, comunicativi e realmente condivisibili. Surfare sul caos facendosi rapire dalle ondine quasi invisibili o affogare negli tsunami di sperimentali visioni, prendendo appunti e condividendoli per decodificare insieme le proposte del mercato è sicuramente una ricetta piu’ golosa e soddisfacente che naufragare quotidianamente nel melmoso caos dell’oggettivita’ cnn e delle identita’ preconfezionate formato palazzo della nostra “realtà”…Hasta la vista.

Alias 04/10/01 - Don't let them drop it!

2009-06-08T07:55:00.000-07:00

Alias 04/10/01 DON'T LET THEM DROP IT! E` la citta` dove ho sentito piu` caldo e sofferto piu` il freddo. La citta` dove mi sento sentita bianca ed europea per la prima volta. La citta` dove ho imparato a spremere cuore e meningi per fare cinema. Nella quale ho viaggiato per anni. Alterato le visioni. La citta`dove ho capito la solitudine. Dove ho provato la passione per la vita. La citta` dove agitandomi a svariati bpm ho visto persone ballare per ore, veri e propri tempi della musica. Il Paradise Garage, Choice, the World, Save the Robot, the Buiding, Nasa, Jackie 60, Green Door. La citta` dove la famiglia sono drag queens ispaniche e afro americane, homeboys di Harlem e Brooklyn, ravers dell'Ohio e Washington State, ragazze giapponesi che nel parlare scambiano la r con la l e la v con la b, vecchietti alcolizzati che puntualmente ti salutano dal bar sotto casa tutte le mattine, attivisti portoricani che dormono a ABC No Rio, squat. La citta` che brilla di notte e splende di giorno con il caldo puzza e d'inverno il vento spezza le orecchie. New York dove ho camminato in tutti i sensi a tutte le ore, ballato, amato, riso urlato e litigato in tutti i sensi a tutte le ore. La citta` che sprona ad amare il proprio lavoro e a lavorare su cio` che ami. Sapendo anche essere cosa molto difficile e faticosa. La citta` dove giri l'angolo e sei circondata da bolle di sapone un tipo afro americano sorride e ti recita assurdi rap sulla felicita`. New York dove in un locale notturno sulla west side highway vedi sparare in bocca ad una ragazza e di corsa in mezzo al panico lasci il guardaroba dove lavoravi per la prima volta. La citta` dove ho diviso casa con una spogliarellista, una filmmaker tedesca-irachena, un afro americano in preda al crack, una segretaria albanese e amici vari arrivati dall'italia. La citta` dove mi sono tinta i capelli di piu` colori di quanto non avessi gia` fatto nel decennio precedente a Roma. La citta` nella quale ho studiato cinema appollaiata al bancone di un go go bar dove lavorava la mia amica compagna di universita`. La citta` dove incontri fantasmi, mamme di tredici anni, psycho killers, dominatrici, fascistoidi carpentieri italo americani e cani con le mollette di strass. E gli proponi di sottoscrivere una campagna di Greenpeace contro la proliferazione nucleare. New York che quando sei a terra e stai cercando lavoro e devi pagare l'affitto e le bollette vai al bar da sola e poi esci che sai di non essere l'unica, anzi. La citta` che vedo quando ascolto Charlie Mingus, i primi Sonic Youth, KRS One e Public Enemy, Lou Reed e i Ramones. La citta` che sono rimasta a guardare incollata al televisore per 2 giorni continuamente dall' 11 Settembre 2001 alle 18. Mai vista tanta televisione tutta insieme. Per quattro giorni da quel martedi mi sono messa la mia maglietta bianca con i bordi rossi e la scritta I love NY. Giravo per Roma, facevo quello che dovevo fare ma era come se stessi da un'altra parte. Finalmente sono riuscita a parlare con gli amici a New York, oltre lo sgomento mi hanno spiegato che l'aria era irrespirabile, nel vero senso della parola. Mi ero conservata da anni una cartolina anni cinquanta di NY senza le twin towers, mi divertiva guardarla. Adesso vorrei essere li a percepire il cambiamento. A vedere e ascoltare di persona. Spero che la velocita` di assimilazione dell'occidente si manifesti sempre piu` in frequenti e massicce contestazioni alla guerra e per una risoluzione giuridica degli eventi, non solo ripetitivi campi larghi di sventolanti stelle e strisce. E non solo appprensione e solidarieta` per questi ultimi fatti negli stati uniti, ma anche per le decine di altre guerre, atti terroristici, violenze fisiche ed economiche che si continuano a protrarre nel mondo. Necessaria anche un' attenzione vigile e pronta denuncia alle restrizioni sulle liberta` civili nel mondo occidentale e ai teoremi di propaganda che si prefigurano su ridicole connivenze tra ale estremiste del movimento (Genova) e nuclei terroristi mussulmani. La guerra, le guerre, stop it! be bop it! don't let em drop it! come consigliava Mingus.

Alias 21/07/2001 - Immagini di protesta

2009-06-08T07:51:00.000-07:00

Le manifestazioni e il forum dei prossimi giorni a Genova ci invitano a rispondere ad un appello mondiale contro l'egemonia economica e culturale di pochi paesi potenti. Il movimento creato negli ultimi anni, con le sue profonde radici crescera` sempre di piu` grazie soprattutto alla diversita` delle rappresentanze. Stiamo coltivando lo stesso campo. Il campo e` osservato da centinaia di obiettivi puntati in questi giorni sulla citta` di Genova. Che cercano? Che vogliono? La Verita`!!! Magari in esclusiva!!! Ritrarre raccontare documentare registrare dare voce e volto filmare le proteste contro il G8 a Genova. La verita` assoluta nei media non esiste. Non ha senso parlare di vera realta` o reale verita` della rappresentazione mediatica. Siamo tutti immersi costantemente nello spettacolo della societa`, il nostro campo di percezione e` preconfezionato e inflazionato. Il pubblico, noi, si identifica nella perdita di coscienza del "reale" addomesticando la propria percezione ad una onnivegenza perenne e contraddittoria. Futuri passati, esotismi domestici, guerre umanitarie. Anche su Genova sembra di leggere gia` la sceneggiatura senza che sia ancora iniziato niente. E` un trip discutibile. E` difficile, oggi, anche provare emozioni senza sentire l'urgenza di documentarle filmarle sentirsi anche in colpa se non lo si fa, autorevoli grandi fratelli insegnano che tutto puo` fare brodo, digitale. Ogni tanto spezzare con della vecchia old fashioned Duck Soup funziona ancora da antitodo alle lusinghe del panottico mercato mondiale, dove tutto e` categorizzato formattato e vendibile, nessuno escluso. Prendimi dammiti cuccurucu`....Le immagini delle proteste sono abbondanti. Come protestare con le immagini? Volantini di legno. Mmumble mumble...Un primo piano invece di un piano medio, la cinepresa/videocamera piazzata in basso invece che in alto, il soggetto in silhouette o in luce diffusa, sono scelte di rappresentazione che descrivono in modi diversi, anche opposti nelle idee, gli stessi avvenimenti. Coscienti di questo, il punto e` dribblare le definizioni ed etichette che permettono l'accumulazione nei palinsesti e lo stordimento dello spettatore. Non sai bene cosa sono, non mi puoi vendere. Ma io so cosa sono, e visto che mi coltivo anche, mi posso vendere direttamente a chi mi pare. Autoproduzione e magari autodistribuzione. Vedi i sem terra, la coldiretti, via campesina, confederation paysanne. Se invece si lavora per terzi, allora scovare ogni volta il modo di cortocircuitare il mercato a seconda del committente, bastano anche 5 secondi di suono e/o immagine piazzati bene per accendere qualsiasi visione passiva. Corto circuitare inteso come ribaltare stereotipi, allungare o stringere i normali tempi di visione, sperimentare sulle convenzioni del linguaggio cinematografico e mediatico in generale. Destabilizzare le regole del mercato mediatico mondiale e` l'inizio, il mezzo e la fine del cineasta che protesta contro la globalizzazione concertata dal G8. Continuare a farlo sempre, camminando domandando-si, come ci insegnano gli zapatisti. Ingegnarsi per produrre Cinema AlterAttivo. Comprendere in profondita` la rappresentazione, finzione e documento, per restituire alla realta` la propria originale ambiguita` ed a le persone la propria identita`di spettatori attivi, pensanti. Conoscere le regole per imparare a protestare con le immagini e i suoni e inventare necessaria poesia. Tutti a Genova the anti-show must go on. Su questi propositi suggerisco una lista disordinata parziale e totalmente soggettiva, di film, documentari cinegiornali etc etc L'uomo con la macchina da presa, 1929, Dziga Vertov The Conversation, 1974, di Francis F. Coppola Duck Soup, 1933, di Leo McCarey, con/dei fratelli Marx Modern Times,1936, di Charlie Chaplin Weekend, 1968, Di J.L.Godard tutti i film/materiali di Zavattini Deutschland in Herbst, 1978, di H.Boll, R.W.Fassbinder, A.Kluge,E.Reitz e altri Wintersoldier, 1972, Winterfilm Collective La verifica incerta, 1965, di Alberto Grfifi e G. Barucchello Decoder, 1981, di Klaus Maeck, Muscha, Trini Trimpop Brewster McCloud,1970, di Robert Altman Vanishing Point, 1971, di Richard C. Sarafian La Hora De Los Hornos, 1967, Fernando Solanas Bronenosec Potemkin, 1926, di Sergei Eizentein Notte e nebbia, 1955, Alain Resnais Amsterdam global village, 1996, Johan Van der Keuken Chappaqua, 1966, di Conrad Rooks Nostra signora dei turchi, 1969, Carmelo Bene M.A.S.H., 1969, di Robert Altman The Producers, 1968, di Mel Brooks Bananas,1971,di Woody Allen La jetee, 1964, di Chris Marker Sweet Sweetback's Baaadasss Song, 1971, di Melvin Van Peebles Apocalypse Now Redux, 2001, Francis ford Coppola tutti i film di Djibril Diop Mambety tutti i film/materiali di Harry Smith Faster Pussycat! Kill, Kill!,1966, Russ Meyer Shadows,1959, di John Cassavetes Pull my daisy, 1959, di Robert Frank The Subterraneas, 1960, di Ranal McDougall Salesman, 1969, fratelli Maysles Portrait of Jason, 1967, Shirley Clarke

kissobama

2008-11-18T12:08:00.000-08:00

ohne title

2008-11-02T10:15:00.000-08:00

final straw R.E.M.

2008-11-02T09:31:00.000-08:00

As I raise my head to broadcast my objection As your latest triumph draws the final straw Who died and lifted you up to perfection? And what silenced me is written into law. I can't believe where circumstance has thrown me And I turn my head away If I look I'm not sure that I could face you. Not again. not today. not today. If hatred makes a play on me tomorrow And forgiveness takes a back seat to revenge There's a hurt down deep that has not been corrected. There's a voice in me that says you will not win. And if I ignore the voice inside, Raise a half glass to my home. But it's there that I am most afraid, And forgetting doesn't hold. it doesn't hold. Now I don't believe and I never did That two wrongs make a right. If the world were filled with the likes of you Then I'm putting up a fight. I'm putting up a fight. Putting up a fight. make it right. make it right. Now love cannot be called into question. Forgiveness is the only hope I hold. And love- love will be my strongest weapon. I do believe that I am not alone. For this fear will not destroy me. And the tears that have been shed It's knowing now where I am weakest And the voice in my head. in my head. Then I raise my voice up higher And I look you in the eye And I offer love with one condition. With conviction, tell me why. Tell me why. Tell me why. Look me in the eye. Tell me why.

aloha

2008-10-09T11:40:00.000-07:00

aloha y'll

it's the update of my mumblin' and cross archin' fable casting willows.

2008-10-09T11:25:00.000-07:00

aloha y'll